D. Dumas, théâtres - Culture

Les Trois Glorieux

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Wed, 19 Sep 2018 23:53:00 +0200

Ils sont jeunes, ils sont beaux et ils ont du génie.

En 1830, George Sand (Manon Montel), a 26 ans et elle vient de quitter son baron Dudevant pour vivre libre à Paris, elle écrit Indiana. Victor Hugo (Thomas Marceul) a 28 ans et après avoir bouleversé les codes du roman avec Notre-Dame de Paris, va triompher dans Hernani. Honoré de Balzac (Stéphane Dauch), qui en a 31, écrit La Peau de chagrin.

Le temps des "Trois Glorieuses" fut aussi celui des trois Glorieux de notre littérature.

Manon Montel, qui met aussi en scène, retrace habilement la carrière des trois grands auteurs du XIX^e siècle. Elle puise dans leurs correspondances, leurs « Choses vues », leurs œuvres, et les journaux, des scènes signifiantes, des discussions critiques. Elle met en perspective leurs différences fondamentales, mais aussi leur amitié. Costumes sobres de Patricia de Fenoyl, plateau nu et lumières délicates d'Arnaud Barré, c’est une réussite.

Certes, Balzac n’aimait pas le théâtre hugolien, mais il appelait Hugo à applaudir le sien. Et chacun encourageait l’autre à continuer son œuvre. Bien sûr la baronne Dudevant, alias George, avait des contradictions, mais elle était sincère et défendait la liberté. Évidemment Hugo suscitait des admirations, des détestations et des jalousies, mais ce fut lui qui prononça les plus belles oraisons funèbres quand Honoré et George le précédèrent dans l’éternité.

Les trois comédiens disent et jouent avec brio les moments d’échanges entre les auteurs. On aurait aimé retrouver aussi l’ami Théo (Théophile Gautier) et l’ami Dumas qui partageaient leurs luttes et leurs rêves, mais cette histoire, qui trace leurs vies à grandes étapes, permet d’asseoir une étude littéraire positive sur ce siècle.

Dommage qu’on mette dans la bouche de Victor un jugement négatif sur le talent de Juliette ! S’il en eût été ainsi, lui aurait-il écrit le rôle de la reine dans Ruy Blas ? Les critiques dramatiques des journaux de l’époque, en France, éreintaient volontiers le théâtre romantique et Juliette fut sifflée par la cabale. Mais ses biographes, G. Pouchain et R. Sabourin[1] ont trouvé de quoi les contredire.

Il y a encore de belles recherches à entreprendre sur nos trois monuments de la littérature ! Manon Montel va vous en donner le goût.

© Photos Xavier Cantat

[1] -Juliette ou la Dépaysée, de G. Pouchain et G. Sabourin, éditions Fayard, 1992.

1830, Sand Hugo Balzac tout commence écriture et mise en scène de Manon Montel

Théâtre Essaïon

01 42 78 46 42

Tous les lundis et mardis à 21 h

Livre

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Tue, 18 Sep 2018 16:54:00 +0200

Il vient de m’arriver un joli petit livre (11 x 15), à la couverture grise et bleue comme la carte postale qu’elle représente : enfants sages vêtus de blouses trop longues sur une plage de galets où les pêcheurs ont laissé leurs paniers et leurs barques.

Temps révolus, nostalgie et poésie.

Yoland Simon y évoque sa Normandie et son enfance en une cinquantaine de textes courts, cinq à six lignes, qui commencent tous par les mots : « Il suffisait à l’enfant » et qui se regroupent par thème : « La maison, la mer, les jours, les travaux, le pays ».

Et quand parle l’auteur, s’éveillent en nous les mêmes souvenirs : le car qui nous conduit chez la grand-mère, les jardins, les sentiers, les buissons, les ruisseaux et la mer. Renaissent alors, où que nous les ayons vécus, les images du passé, les gestes tendres et muets, les connivences et les inquiétudes, la joie parfois, la mélancolie souvent. Tout un monde intime enseveli dans nos têtes et que jamais aucun portable ne pourra ressusciter.

Lisez, il faut lire pour ne pas oublier...

Il suffisait à l’enfant de Yoland Simon, éditions de l’Aiguille, 10 €

Richard pour mémoire

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Tue, 21 Aug 2018 12:06:23 +0200

Je l'avais toujours connu souriant... ou en colère.

J'aimais son rire et ses révoltes.

J'aimais ses textes et ses mises en scène, son humour, son imagination.

J'ai encore en mémoire sa "Chasse au snark" et le miroir d'eau dans lequel les comédiens se mouvaient.

Je pense à "A quoi rêvent les vieux enfants" chaque fois qu'on évoque la vieillesse, et à la "Guérillère soprano", quand on évoque les femmes rebelles.

Ses Ubus africains sont toujours d'actualité...

Son "Enfant d'éléphant" n'est plus celui de Kipling, mais le sien, le nôtre aussi un peu, puisque nous l'avions publié, comme beaucoup de ses textes.

Il racontait l'épopée des utopistes mais aussi les déchirements intimes comme dans la "Nuit du père".

Il était fier de son fils, Emmanuel, et il avait raison.

C'est aujourd'hui vers le fils que nous nous tournons pour lui dire notre peine, mais aussi pour le réconforter et lui dire de continuer, et d'enrichir toujours nos beaux moments de Théâtre.

Au revoir Richard... S'il y a une éternité, j'aimerais te retrouver dans un paradis joyeux où tu referais le monde.

La Huchette à Avignon et en Off

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Fri, 29 Jun 2018 14:40:00 +0200

Tous les succès du Théâtre de la Huchette au festival OFF d'Avignon 2018 !

L'ÉCUME DES JOURS, LA POUPÉE SANGLANTE, LA PUTAIN DU DESSUS, LA PLUME DE GROUCHO, UN RAPPORT SUR LA BANALITÉ DE L'AMOUR, LE BAIN & LE VOYAGE À LA HAYE, autant de créations qui ont irradié la Huchette et qui partent à la conquête d'Avignon.

Venez découvrir ou redécouvrir tous ces spectacles !

L'été sera intense !

Si vous restez à Paris cet été avec l'envie de vous détendre en musiques et en chansons, vous pouvez voir, ou revoir Théâtre de la Huchette

COMÉDIENS ! de Samuel Sené, Eric Chantelauze et Raphaël Bancou, avec Marion Preïté, Fabian Richard, Cyril Romoli. Représentations du mardi au samedi à 21h et le samedi à 16 h - jusqu’au 2 septembre. Ce spectacle vient d’obtenir 5 Trophées aux Trophées de la Comédie Musicale (Marion Preïté : trophée de la Révélation féminine ; Fabian Richard : trophée de l’artiste interprète masculin ; Samuel Sené : trophée de la Mise en Scène ; Samuel Sené et Eric Chantelauze : trophée du Livret ; « Comédiens ! » : Trophée de la Comédie Musicale)

Théâtre à lire… et à jouer

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Sat, 09 Jun 2018 19:17:00 +0200

Ce n’est pas la première fois que Jean-Paul Alègre, fait vibrer sa corde écologique. Déjà il y a quelques années, Blaye avait résonné de sa parole poétique, mais aussi prophétique :

« Moi, l’eau de la Gironde, je suis la belle de l’Estuaire. Lourde, lente et vive, ronde. Puissamment, je glisse vers la mer. »

« Moi l’eau de la Centrale, je suis la gardienne de l’atome. Silencieuse, transparente, secrète. Sans vagues, sans rides, je veille sur le sort des hommes... »

Aujourd’hui, avec Le Tourbillon de la Grande Soif, il crie son désespoir de constater que l’espèce humaine court à sa perte.

« Celle qui veille » a d’abord été « Celle qui pêche », elle est devenue la femme « qui sait » avant de terminer « Celle qui passe ». Poignant personnage, magnifique, idéale et vaincue. Elle seule, moderne Cassandre, aurait pu sauver les humains de la folie destructrice qui les conduit à « la catastrophe ». Mais la guerre eut lieu et Troie fut détruite. Écoute-t-on la voix de la raison quand les chefs ne pensent qu’au profit ? Face à elle et contre elle se dresse un personnage cynique et énigmatique dont le nom est un palindrome. Autour d'elles, des faibles, des cupides ou des ignorants. L'humanité est en danger. Peut-on encore la sauver ?

Mais je vous laisse découvrir la pièce, et la monter peut-être. Seize personnages, mais on peut la jouer à quatre. Jean-Paul Alègre, fidèle à ses « distributions évolutives » tient compte de votre budget. Et, fidèle à l’idée qu’il se fait du théâtre, il en fait une tribune.

Le Tourbillon de la Grande Soif de Jean-Paul Alègre

L’Avant-Scène Théâtre, collection des Quatre-Vents, 10 €

Kabarett

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Fri, 08 Jun 2018 18:43:18 +0200

Kabarett. Curieuse façon d’écrire « cabaret » penserez-vous.

– « Vous qui prônez partout l’usage de la langue française, vous voici germanisante ? »

- Point du tout ! En français médiéval « tenir kabaret » apparaît dès le XIII^e siècle. Et connaissant un peu les directeurs du Poche-Montparnasse, cette orthographe a dû les réjouir. Quant à leurs spectateurs, ils en ont été… aux anges. Ange Bleu, évidemment !

Mais si le film de Sternberg situe son action en 1925, celle de Berlin Kabarett de Stephan Druet se situe un peu plus tard, au moment où, conséquence de la crise économique, le parti nazi passe de 3 % à 30%.

Dans le cabaret berlinois que dirige Kristen (Marisa Berenson), les musiciens sont juifs, communistes et homosexuels. Tout pour déplaire au petit moustachu qu’ils vont s’efforcer de combattre. Karl (Jacques Verzier ou Olivier Breitman) et Fritz (Stéphane Corbin ou Simon Legendre) tentent d’alerter du danger qui monte. En vain.

Stéphane Druet dit avoir été « élevé sans l’univers du cabaret », et si sa fascination pour le film de Bob Fosse, celui de Visconti (Les Damnés) et celui de Liliana Cavani (Portier de nuit) est avouée, disons-le tout net, son Kabarett est original, puissant et dérangeant. Sans doute la tragédie de Mary Marquet qui livra son fils à la Gestapo lui a-t-il inspiré ce portrait de mère monstrueuse qui dénonce son fils Viktor (Sebastiàn Galeota). Cependant la trame est neuve, ses propres textes sont si justes qu’ils se mêlent subtilement aux « morceaux d’anthologie » et qu’on les applaudit avec le même enthousiasme, comme les musiques de Stéphane Corbin associées à celles de Kurt Weill, Friedrich Hollaender, Fred Raymund, Dajos Bélia, Henri Christiné.

Ajoutez-y des costumes de Denis Evrard, des chorégraphies de Alma de Villalobos, des lumières de Christelle Toussine et l’atmosphère de décadence des tableaux d’Otto Dix et George Grosz. C’est troublant et on n’en sort pas indemne.

Marisa Berenson, que nous n’avions jamais vue sur scène, est l’impressionnante reine de la nuit et ses complices devenus victimes vont vous bouleverser.

Retenez vite votre table pour ce Kabarett.

Berlin Kabarett de Stéphane Druet

Théâtre de Poche-Montparnasse

Jusqu’au 15 juillet

Du jeudi au samedi à 21 h, dimanche 17 h 30

01 45 44 50 21 75

www.theatredepoche-montparnasse.com

Y a-t-il un traducteur compétent ?

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Sat, 31 Mar 2018 14:18:54 +0200

En considérant les affiches de cinéma je me dis que l’industrie cinématographiques doit manquer de traducteurs. Car, au moment où certains clament qu’il faut défendre la langue française, comment expliquer le nombre de titres qu’on nous propose en anglais ?

Et même quand des traductions ont été proposées, elles n’apparaissent… qu’en sous-titres !

Ainsi de 3 Billboards, traduit par Les Panneaux de la vengeance mais annoncés en anglais, ainsi de The Captain film allemand (Tiens, au fait quel titre avait-il dans cette langue ?) traduit par L’Usurpateur mais communiqué en anglais !

Pas assez accrocheurs sans doute !

Du temps où je préparais « Propédeutique », (Eh ! oui, je suis de ce vieux temps) on exigeait une traduction totale de nos versions. « Cherchez l’équivalent sur le verbe, sur l’adjectif, mais traduisez ! » Telle était la consigne…

N’y aurait-il plus de traducteurs ? Ou plus de budget pour payer des traducteurs compétents ? Ou pense-t-on que tout le monde parle « the fluent english » ?

Ne me dites surtout pas que les Français les comprennent ou qu'ils sont des champions en anglais, ça se saurait. Et que les titres suivants leur sont clairs.

Gardons Lady Bird puisque c’est le pseudonyme que se choisit une adolescente pour contrarier sa mère, mais que dire de : Phantom Thread, Ready Player One, Pacific Rim Uprising, Tomb Raider, Black Panther, Ghostland, Mektoub my love, Call me by your name,Blue, The Rider, The Foreigner, The Disaster Artist, Kings, et de tous ceux qui sortiront bientôt ?

Auriez-vous des idées ?

Il nous plaît bien !

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Fri, 30 Mar 2018 12:26:00 +0200

Les « pastourelles » médiévales avec la musique, les travestissements, les cache-cache nocturnes et les décors champêtres, qui avaient plu dans le Jeu de Robin et Marion et Le Jeu de la Feuillée au XIII^e siècle, ont-elles influencé les premières comédies shakespeariennes ? Le Songe d’une nuit d’été, Peines d’amour perdues et Comme il vous plaira en conservent la trace. Shakespeare les rend plus païennes, y ajoute les bouffons qu’on n’appelle pas encore « clowns », et parle aussi de l’arbitraire du pouvoir. Elles continuent d’inspirer nos contemporains.

C’est avec une belle traduction de Jean-Michel Déprats que Christophe Rauck en propose aujourd’hui une nouvelle version. C’est « un montage » qui « met en valeur […] les joutes entre les deux couples d’amoureux que sont Orlando (Pierre-François Garel) et Rosalinde (Cécile Garcia Fogel) et Silvius (Pierre-Félix Gravière) et Phébé (Luanda Siqueira) » et le monologue de Jacques le mélancolique (John Arnold) :

« Le monde entier est un théâtre… »

que nous connaissons tous mais dont nous avions oublié l’origine.

Le plateau est nu et lisse, mais, en découverte et sur les côtés, des toiles peintes figurent la forêt d’Arden (ou des Ardennes ?), étrange et brumeuse, peuplée de cerfs, de biches, de faons et de renards empaillés. Hommes et femmes bannis par un méchant duc (Jean-Claude Durand) y ont trouvé refuge ainsi que Jacques le mélancolique, un philosophe excentrique et misanthrope.

Rosalinde et Célia (Maud Le Grévellec), vêtues de robes bois de rose, semblables, mais pas identiques, se travestissent pour échapper aux persécutions. Le rouge est mis. Rouge brique pour la salopette de Rosalinde qui devient Ganymède, rouge vif pour la robe de sa cousine devenue Aliéna (Costumes de Coralie Sanvoisin).

Malicieux choix que ce prénom de Ganymède, le bel adolescent dont Zeus devint amoureux ! En ce temps-là, le gendrisme ne choquait personne ! Mais déjà les revendications féministes perçaient dans la comédie. Et on n’hésitait pas à ridiculiser les mâles paillards comme Pierre de Touche (Alain Trétout) et les vierges un peu rassises comme Audrey (Jean-François Lombard). Les vrais amoureux, Orlando et Silvius sont attendrissants, et justes, comme tous les comédiens.

Heureuse est l’option du metteur en scène qui parcourt en musique un répertoire anglais très éclectique, magnifiquement chanté.

Le spectateur va de surprise en surprise, et de sourire en rire. Comme il vous plaira lui plaît !

S’il suit le conseil de Shakespeare « : « Aimez ce qui vous fera plaisir. », tout ira pour le mieux dans notre monde impossible !

Photo: © Simon Gosselin

Comme il vous plaira de William Shakespeare

Traduction de Jean-Michel Déprats

Théâtre 71 à Malakoff, jusqu’au 13 avril

Mercredi, jeudi, samedi 19 h 30

Mardi, vendredi, 20 h 30

Dimanche, 16 h (sauf le 1^er avril)

01 55 48 91 00

Bateau Feu à Dunkerque, les 17 et 18 avril,

Théâtre de Sénart, du 3 au 5 mai,

Maison de la Culture d’Amiens, les 15 et 16 mai.

La Chie-en-lit du Carnaval

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Tue, 27 Mar 2018 15:33:00 +0200

Quand Hubert Gignoux, en 1961 créa Mille Francs de récompense[1], il révéla au grand public un aspect inconnu de Victor Hugo, celui du Théâtre en liberté. Ni mélodrame, ni comédie pure, la pièce transgressait les codes du théâtre de son époque, pour offrir à ses lecteurs – car il n’était pas question pour Hugo de donner à jouer tant que la liberté ne serait pas rétablie – un réquisitoire politique et social, à la verve jubilatoire.

Dans son intégralité, le texte demande dix-sept comédiens et bon nombre de figurants. Hubert Gignoux l’adapta pour sa Comédie de l’Est, et ses dix comédiens. C’est cette version que la Comédie-Française reprit en 1995. Certains se souviennent de celles de Marcel Maréchal en 1966, de Benno Besson en 1990, de Laurent Serrano en 2000[2], et de la savoureuse adaptation faite par Vincent Colin pour la troupe malgache Landy Vola Fotsy en 2004.

René Loyon avait donnée la pièce dans son intégralité en 1985. Il respectait non seulement le texte, mais également les indications scéniques de l’auteur qui esquissait toujours son décor avant d’écrire. La très belle mise en scène de Laurent Pelly en 2010 nous avait comblés.

Retrouver Mille Francs de récompense avec une jeune troupe c’était donc, pour l’hugolienne que je suis, une nouvelle aventure.

Lorsque Glapieu (Maxime Atmani) est apparu, côté spectateurs, sur les marches des gradins, avec son petit sac à dos, son blouson à capuche, et sa démarche souple, je me suis dit : « c’est lui, tout à fait lui ».

En effet, quand Victor Hugo écrit Mille Francs de récompense, en 1866, il fait d’un gueux, Glapieu, le rôle principal de sa pièce. Et cette souple silhouette dont la « tenue manque de respectabilité », convient tout à fait au personnage. Il s’adresse au public, et dresse un terrible réquisitoire contre l’injustice :

« Est-il possible de pourchasser un pauvre homme comme cela, qui ne fait de mal à personne, uniquement parce qu’il a accompli autrefois une sottise. C’est de mon vieux temps, j’étais enfant. C’est égal, ça me suit. Ça ne pardonne pas, la première sottise, […] fil à la patte qui ne casse jamais.

Ô qui que vous soyez, qui ne voulez pas faire la deuxième sottise, ne faites pas la première.

Je passais, j’étais gamin, le tiroir d’une fruitière était entr’ouvert, il bâillait, il avait l’air de s’ennuyer, je lui fis une farce, je lui chipai douze sous.

On me happa, on me soutint que j’avais forcé le tiroir.

J’avais seize ans. C’est grave. Quinze ans et onze mois, on est un polisson ; quinze ans et treize mois, on est un bandit.

[…] Je n’étais pas même un filou ; on me jugea digne de passer voleur.

On me mit pour trois ans dans une maison d’éducation. A Poissy. J’appris là des choses bien utiles à la société. Du tiroir des fruitières, je m’élevai à la caisse des banquiers.

Un professeur […] m’expliqua le coffre-fort et la manière de s’en servir. […]

C’est ainsi qu’on devient, grâce à la sollicitude de la société, un homme à talents. » […]

Gouailleur et insolent comme Gavroche, Glapieu est aussi généreux que Monseigneur Myriel, aussi traqué que Jean Valjean :

« Je suis si essoufflé que je n’ai pas le temps de devenir vertueux.

Chien de sort ! Ah ! C’est comme ça ! Eh bien ! On va voir, la première bonne action que je trouve à faire, je me jette dessus, je la fais.

Ça mettra le bon Dieu dans son tort ! »

Et déjà, spectatrice satisfaite, je souris à la mise en scène de Kheireddine Lardjam.

J’admets que le metteur en scène renverse l’ordre des entrées, que ce soit Glapieu qui parle le premier et que notre jeune première n’intervienne qu’après lui.

Les panneaux translucides flanqués de banquettes, mobiles et modulables à vue pour délimiter l’espace et le modifier (scénographie d’Estelle Gautier) s’accordent à l’esprit de la pièce. Des ombres d’oiseaux volètent (dessins de Jean-François Rossi), un masque coloré traverse la scène, - « nous sommes en carnaval » -, et je me rassérène.

Mais voici qu’apparaît Cyprienne (Aïda Hamri) … Hugo l’avait conçue en « robe de toile, propre, blanche, pauvrement et gracieusement simple. », elle apparaît en tenue « gothique ».

Bon ! Je consens. Une adolescente, aujourd’hui, se pose souvent en provocatrice.

Actualisons !

Mais pour quelles raisons hurle-t-elle sur le « vieillard qui dort » ? Alors que tout dans ses paroles et ses gestes ne devrait être que tendresse envers ce « Pauvre grand-père! » qu’elle gourmande gentiment :

« Vous êtes mon grand-papa, mais je suis votre petite maman. Dormez à présent. (Elle le regarde dormir.) Moi je suis comme ma mère, elle m'a pour fille, et moi, voilà mon enfant. »

Hugo l’imaginait Cordélia[3], on me présente une Lady Macbeth ! Cette perversion me contrarie…

Heureusement Glapieu revient. Et Cyprienne fait la « bonne action » qui permet à ce pauvre « excentrique en rupture de ban » d’échapper aux argousins.

Me voilà donc, spectatrice témoin et complice des tribulations du persécuté de la société.

Je reprends confiance.

Naïve que j’étais ! L’apparition d’Étiennette (Linda Chaïb) me consterne… Qu’en a-t-on fait ? « En robe de toile comme Cyprienne » écrivait Hugo. « Comme », c’est-à-dire « propre » et « gracieusement simple ». Porter de la toile en février, quand le bourgeois s’habille de laine et de velours, est un signe de pauvreté. Que les robes soient « propres » et simples montre la décence des deux femmes, leur volonté de garder leur dignité, leur modestie. Or, ladite mère en pantalon rose bonbon et veste de peluche blanche, balance un sac rose pailleté, se cache derrière des lunettes de soleil panoramiques et vocifère comme une hystérique. À croire que ces deux figures féminines méritent bien le sort qui les attend ! Il me semble pourtant que Victor Hugo les peignait en innocentes victimes d’une société close et corrompue.

Rien ne va plus comme on dirait au Tripot sauvage. Mais nous n’en sommes pas encore là.

Rousseline (Azeddine Benamara),n’est pas chauve comme le décrivait Hugo, dans les didascalies et comme le soulignait un Glapieu sarcastique :

« Un homme chauve. Dans un endroit où il y a des femmes ! Attention. »

Qu’à cela ne tienne, il a le costume sombre, la barbe intégriste et l’œil mauvais d’un traître du boulevard du Crime. Je l’accepte puisqu’on « lui donnerait le diable sans confession. »

Que l’Huissier soit aussi Scabeau (Romaric Bourgeois) et qu’il chante son texte sur une guitare électrique avec fond tumultueux de rock ne me dérangerait pas si j’entendais les paroles. Mais la techno engloutit tout.

Et tout se décompose !

Edgar (Etienne Durot) se retrouve en caleçon comme au vaudeville.

Cyprienne débite son joli serment d’amour :

« Regardez au fond de mes yeux. Edgar, après la mort, dans le ciel, je ne vous aimerai pas davantage; seulement je vous aimerai dans plus de lumière. Edgar, mon sourire, c'est vous. Ma tristesse, c'est vous. Quelle chose étrange que de penser toujours à quelqu'un ! Le matin je me lève, je me dis : '' le verrai-je aujourd’hui.'' Je me dis : '' viendra-t-il ? '' Je tremble quand vous venez, j'ai peur, mais c'est ma joie. Quand vous êtes parti, à peine la porte est-elle refermée, je me rappelle tous les mots que vous avez dits, le gilet que vous aviez, vos gants, votre chapeau posé sur la chaise, le rayon de soleil qu'il faisait, je passe ma journée à cela, je n'ai pas autre chose dans l'esprit, je me fais des reproches, oui, vous serez mon mari, vous êtes déjà mon âme. Oh! quel profond oubli que l'amour ! »

avec l’indifférence dédaigneuse d’une écolière qui n’en pense pas un mot.

Le Major Gédouard (Samuel Churin) parvient presque à sauver son rôle et je me dis que tout n’est pas perdu.

Hélas ! Quand on n’a pas assez de comédiens pour monter un drame romantique, il faut avoir des idées. Celle de réunir en une même personne, Rousseline et Barutin, le jeune député, ami de Tancrède de Pontresme (Cédric Veschambre), n’est pas la pire. Supprimer le tiers de l’acte II non plus.

Et puisqu’on garde les attaques contre la justice :

Il faut être absolument en démence, quand on peut jouir de la vie, pour se mettre à juger les hommes! […]

Mais où donc est la raison humaine ? Ils s'entortillent dans beaucoup de calicot rouge, et les voilà tout fiers. Ils appellent cela la pourpre judiciaire.

Je suis indigné. Au lieu de rire, de boire, de chanter, d'être amoureux comme les oiseaux ! on est monsieur le conseiller, monsieur le procureur !

Vanités puériles ! […] »

contre la famille:

« Mon oncle a cette manie-là. Juger, jugeoter, jugeailler ! Ah! je hais les toques, et les toqués! »

[…]

À tous les diables tous les oncles ! Ah! les grands-parents, les perruques, les toges, les rabats, tous les vieux yeux ronds fixes de la famille, Argan juge, Orgon président, Géronte chancelier ! faisons-les frémir. Amusons-nous. »

réjouissons-nous avec ce malicieux Pontresme tout à fait congruent.

Le vrai crime se fait au troisième acte quand le baron de Puencarral, interprété par le même comédien qui jouait le grand-père, se mue en cynique blasé.

Que disait Barutin de ce baron, dans le texte de Hugo ? Avant qu’il n’apparaisse, le personnage était longuement présenté. On ne pouvait pourtant pas faire d’erreur :

« Ce Puencarral, […] un millionnaire au désespoir, et de plus, un capitaliste naïf. […]

On le fraude, on le fait tomber dans des chausse-trapes, il s'en tire plus riche qu'auparavant. Il a de la chance, une hausse survient, on ne sait quoi, et la tricherie qu'on lui a faite tourne à son profit. Il s'est enrichi à être dupe comme tel autre à être fripon. »

[…]« Au total, c'est un honnête homme. Il s'est enrichi très loyalement dans les grandes affaires. Il a fait des spéculations heureuses et considérables. Il n'y a pas d'eau trouble dans sa pêche. »

Nous savions tout sur lui avant qu’il n’entre en scène :

[…]

« Ce Puencarral s'appelle quelque chose comme Aubry, Landry, André, un nom très commun, le premier nom venu. Tu sais de ces noms comme Dumont et Durand. Tout le monde s'appelle comme cela. Il a prêté de l'argent au roi d'Espagne qui l'a fait baron de Puencarral. »

Alors, pourquoi, puisqu’on caviarde le texte de Mille francs de récompense, aller l’échanger contre celui de L’Homme qui rit ? Pourquoi confondre le règne de Charles X, en France, vers1825, avec celui de Charles II en Angleterre en 1660 ?

La « chie-en lit » du carnaval ne justifie pas tout !

Pourquoi mettre dans la bouche du baron « mélancolique » et philanthrope, des paroles ironiques et caustiques sur le peuple ? Pourquoi Samuel Churin qui jouait déjà le major Gédouard passe-t-il du rôle de père noble à celui d’amant ? Conflit oedipien non réglé ? Pourquoi prend-il ce ton d’indifférence en évoquant son amour de jeunesse, alors qu’il le fait activement rechercher ? Pourquoi taire la raison qui l’a contraint d'abandonner son Étiennette ?

« […] La loi militaire m'a saisi, je n'étais plus amant, ni père, ni homme, j'étais esclave, j'étais soldat ; il a fallu partir. Il a fallu laisser derrière moi cette femme, cette mère, et cette enfant, cette petite fille dont j'avais vu le sourire. Oh ! ce sourire est resté sur moi. C'est une lumière sur ma vie. Cette lumière rend tout le reste sombre. Les événements sont arrivés. Je suis revenu de la guerre. À mon retour, hélas, en notre siècle cette histoire est dans presque toutes les familles, trouvé les ténèbres et le deuil. »

et il ajoute : « […] Ma vie était brisée »

Pourquoi laisser croire qu’il est indifférent au malheur des pauvres ? Alors que clairement, il s’y oppose :

[…] « Il me revient qu'on fait en mon nom beaucoup de saisies, que les huissiers travaillent de tous côtés pour ma maison, et qu'on exécute une foule de petits débiteurs. C'est là une outrance odieuse. Mettez-y un terme.

[…] Il faut être sévère aux vicieux, mais pitoyable aux malheureux. Brutaliser ceux qui souffrent, est-il rien de plus révoltant ! Et cela en mon nom ! Je sais qu'une banque ne fait pas de sentiment mais qu'on laisse en paix les misérables ! »

Enfin, et c’est le coup de grâce, la fin est tronquée, bâclée, transformée.

Car, s’il n’est pas choquant que le jeune homme qui ne voulait pas être juge, profite de sa dernière soirée de liberté pour jouer les transsexuels, il est impossible qu’il se présente le lendemain, dans ses nouvelles fonctions, avec ses hauts talons et sa tenue de carnaval ! Car, outre que Hugo croyait à la rédemption du coupable et luttait pour la réinsertion du condamné, la pièce ne se clôt pas sur la réplique de Glapieu :

« Je suis Glapieu le récidiviste, vous dis-je. Un récidiviste ne peut être qu'un récidiviste. »

Il y a d’abord la gratitude émerveillée de Cyprienne se « tournant vers Glapieu »,

« Ah ! vous êtes le bon Dieu ! »

Il y a la réponse de Glapieu en forme de boutade :

« C'est trop d'avancement. Non. […]

Mademoiselle, vous allez voir le bon Dieu sortir entre deux gendarmes. «

Il y a la générosité de Puencarral qui intercède auprès de Pontresme :

« Monsieur le substitut, il n'y a pas de plainte portée. Je m'intéresse profondément à cet homme. Je demande sa mise en liberté. . .

[…] J'insiste, monsieur le substitut. . . »

Il y a la réponse positive, (ou presque) de Pontresme :

« Mais soyez tranquille, monsieur le baron. On sera indulgent. On fera ce qu'on pourra.

A Glapieu.

On vous sauvera peut-être du bagne. On aura égard à beaucoup de choses. . . »

Il y a la grandeur d’âme de Glapieu, le paria, qui, inverse les rôles, sur le ton de la confidence, « Bas à M. de Pontresme » :

« Je vous ai reconnu. Mais pas tout haut. C'était vous le faux nez. Mais vous avez été un bon garçon dans ce boui-boui du Tripot Sauvage. Je n'ai pas voulu vous compromettre. Je vous ai ménagé. »

mais qui lance à Rousseline un :

« Au revoir. »

promettant à l’aigrefin des jours intranquilles.

Ah ! M. Kheireddine Lardjam, vous m’avez gâché ma soirée…

Heureusement, Victor Hugo en a vu d’autres et des meilleures !

Vous avez manqué tant de belles répliques, comme celle-ci :

« La vérité finit toujours par être inconnue. »

que je me demande, comme Louis Aragon : « Avez-vous lu Victor Hugo ? »

Mille Francs de récompense de Victor Hugo

Mise en scène de Kheireddine Lardjam

Théâtre de l’Aquarium

0 43 74 99 61

www.theatredelaquarium.com

Du mardi au samedi à 20 h

Dimanche à 16 h

Jusqu’au 8 avril

[1] - Publiée dans L’Avant-Scène Théâtre ( N°248). Voir in Théâtre en Liberté, édition Folio, P. 730, la recherche d’Arnaud Laster sur les différentes mises en scène.

[2] - Publiée dans L’Avant-Scène Théâtre (N°1079)

[3] - in Le Roi Lear de Shakespeare. Arnaud Laster in Théâtre en liberté en souligne la parenté. (Folio Classiques)

Pour l’amour de Judith

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Thu, 22 Mar 2018 12:18:42 +0100

Les divas suscitent des passions. Les grandes comédiennes cristallisent autour d’elles l’admiration, le respect et l’amour.

Oui, c’est bien de ces sentiments mêlés qu’il est question dans le spectacle Une actrice que signent Philippe Minyana et Pierre Notte au Poche Montparnasse, deux metteurs en scène, deux auteurs contemporains qui entourent Judith Magre de leur ferveur.

Depuis Inventaires (1987) Philippe Minyana écrit pour elle. Pierre Notte veut écrire sur elle, et le livre rêvé qu’elle n’autorise pas encore, il en dessine les grandes lignes, sur scène, avec elle. Il insiste, obstinément, au bord de l’extase.

Elle en rit.
Sa voix sensuelle et grave au grain de pythonisse nous subjugue tous.

Elle règne, souveraine sur ce monde du théâtre dont elle arbore les couleurs. Étole rouge comme le sang, le sexe, les rideaux et les fauteuils, vêtements noirs comme l’esprit libertaire qui l’anime.

Marie Notte ponctue l’entretien de chansons, accompagnée de Pierre. Pour l’amour de Judith, tout est simple, ardent, empreint de béatitude. Les spectateurs en sont charmés, au sens classique du terme.

« Unique au monde » dit Philippe Minyana quand il parle de son égérie. « Unique et belle » dit Pierre Notte qui parle d’elle avec flamme.

L’osmose est si parfaite qu’on peut se demander, qui, du démiurge-auteur ou de la comédienne est la Créature ?

Une actrice de Philippe Minyana, mise en scène de Pierre Notte

Théâtre de Poche-Montparnasse

www.theatredepoche-montparnasse.com

01 45 44 50 21

Du Mardi au samedi à 21 h

Dimanche 15 h

Jusqu’au 20 mai