D. Dumas, théâtres - Histoire

Les Trois Glorieux

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Wed, 19 Sep 2018 23:53:00 +0200

Ils sont jeunes, ils sont beaux et ils ont du génie.

En 1830, George Sand (Manon Montel), a 26 ans et elle vient de quitter son baron Dudevant pour vivre libre à Paris, elle écrit Indiana. Victor Hugo (Thomas Marceul) a 28 ans et après avoir bouleversé les codes du roman avec Notre-Dame de Paris, va triompher dans Hernani. Honoré de Balzac (Stéphane Dauch), qui en a 31, écrit La Peau de chagrin.

Le temps des "Trois Glorieuses" fut aussi celui des trois Glorieux de notre littérature.

Manon Montel, qui met aussi en scène, retrace habilement la carrière des trois grands auteurs du XIX^e siècle. Elle puise dans leurs correspondances, leurs « Choses vues », leurs œuvres, et les journaux, des scènes signifiantes, des discussions critiques. Elle met en perspective leurs différences fondamentales, mais aussi leur amitié. Costumes sobres de Patricia de Fenoyl, plateau nu et lumières délicates d'Arnaud Barré, c’est une réussite.

Certes, Balzac n’aimait pas le théâtre hugolien, mais il appelait Hugo à applaudir le sien. Et chacun encourageait l’autre à continuer son œuvre. Bien sûr la baronne Dudevant, alias George, avait des contradictions, mais elle était sincère et défendait la liberté. Évidemment Hugo suscitait des admirations, des détestations et des jalousies, mais ce fut lui qui prononça les plus belles oraisons funèbres quand Honoré et George le précédèrent dans l’éternité.

Les trois comédiens disent et jouent avec brio les moments d’échanges entre les auteurs. On aurait aimé retrouver aussi l’ami Théo (Théophile Gautier) et l’ami Dumas qui partageaient leurs luttes et leurs rêves, mais cette histoire, qui trace leurs vies à grandes étapes, permet d’asseoir une étude littéraire positive sur ce siècle.

Dommage qu’on mette dans la bouche de Victor un jugement négatif sur le talent de Juliette ! S’il en eût été ainsi, lui aurait-il écrit le rôle de la reine dans Ruy Blas ? Les critiques dramatiques des journaux de l’époque, en France, éreintaient volontiers le théâtre romantique et Juliette fut sifflée par la cabale. Mais ses biographes, G. Pouchain et R. Sabourin[1] ont trouvé de quoi les contredire.

Il y a encore de belles recherches à entreprendre sur nos trois monuments de la littérature ! Manon Montel va vous en donner le goût.

© Photos Xavier Cantat

[1] -Juliette ou la Dépaysée, de G. Pouchain et G. Sabourin, éditions Fayard, 1992.

1830, Sand Hugo Balzac tout commence écriture et mise en scène de Manon Montel

Théâtre Essaïon

01 42 78 46 42

Tous les lundis et mardis à 21 h

Richard pour mémoire

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Tue, 21 Aug 2018 12:06:23 +0200

Je l'avais toujours connu souriant... ou en colère.

J'aimais son rire et ses révoltes.

J'aimais ses textes et ses mises en scène, son humour, son imagination.

J'ai encore en mémoire sa "Chasse au snark" et le miroir d'eau dans lequel les comédiens se mouvaient.

Je pense à "A quoi rêvent les vieux enfants" chaque fois qu'on évoque la vieillesse, et à la "Guérillère soprano", quand on évoque les femmes rebelles.

Ses Ubus africains sont toujours d'actualité...

Son "Enfant d'éléphant" n'est plus celui de Kipling, mais le sien, le nôtre aussi un peu, puisque nous l'avions publié, comme beaucoup de ses textes.

Il racontait l'épopée des utopistes mais aussi les déchirements intimes comme dans la "Nuit du père".

Il était fier de son fils, Emmanuel, et il avait raison.

C'est aujourd'hui vers le fils que nous nous tournons pour lui dire notre peine, mais aussi pour le réconforter et lui dire de continuer, et d'enrichir toujours nos beaux moments de Théâtre.

Au revoir Richard... S'il y a une éternité, j'aimerais te retrouver dans un paradis joyeux où tu referais le monde.

Kabarett

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Fri, 08 Jun 2018 18:43:18 +0200

Kabarett. Curieuse façon d’écrire « cabaret » penserez-vous.

– « Vous qui prônez partout l’usage de la langue française, vous voici germanisante ? »

- Point du tout ! En français médiéval « tenir kabaret » apparaît dès le XIII^e siècle. Et connaissant un peu les directeurs du Poche-Montparnasse, cette orthographe a dû les réjouir. Quant à leurs spectateurs, ils en ont été… aux anges. Ange Bleu, évidemment !

Mais si le film de Sternberg situe son action en 1925, celle de Berlin Kabarett de Stephan Druet se situe un peu plus tard, au moment où, conséquence de la crise économique, le parti nazi passe de 3 % à 30%.

Dans le cabaret berlinois que dirige Kristen (Marisa Berenson), les musiciens sont juifs, communistes et homosexuels. Tout pour déplaire au petit moustachu qu’ils vont s’efforcer de combattre. Karl (Jacques Verzier ou Olivier Breitman) et Fritz (Stéphane Corbin ou Simon Legendre) tentent d’alerter du danger qui monte. En vain.

Stéphane Druet dit avoir été « élevé sans l’univers du cabaret », et si sa fascination pour le film de Bob Fosse, celui de Visconti (Les Damnés) et celui de Liliana Cavani (Portier de nuit) est avouée, disons-le tout net, son Kabarett est original, puissant et dérangeant. Sans doute la tragédie de Mary Marquet qui livra son fils à la Gestapo lui a-t-il inspiré ce portrait de mère monstrueuse qui dénonce son fils Viktor (Sebastiàn Galeota). Cependant la trame est neuve, ses propres textes sont si justes qu’ils se mêlent subtilement aux « morceaux d’anthologie » et qu’on les applaudit avec le même enthousiasme, comme les musiques de Stéphane Corbin associées à celles de Kurt Weill, Friedrich Hollaender, Fred Raymund, Dajos Bélia, Henri Christiné.

Ajoutez-y des costumes de Denis Evrard, des chorégraphies de Alma de Villalobos, des lumières de Christelle Toussine et l’atmosphère de décadence des tableaux d’Otto Dix et George Grosz. C’est troublant et on n’en sort pas indemne.

Marisa Berenson, que nous n’avions jamais vue sur scène, est l’impressionnante reine de la nuit et ses complices devenus victimes vont vous bouleverser.

Retenez vite votre table pour ce Kabarett.

Berlin Kabarett de Stéphane Druet

Théâtre de Poche-Montparnasse

Jusqu’au 15 juillet

Du jeudi au samedi à 21 h, dimanche 17 h 30

01 45 44 50 21 75

www.theatredepoche-montparnasse.com

La Chie-en-lit du Carnaval

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Tue, 27 Mar 2018 15:33:00 +0200

Quand Hubert Gignoux, en 1961 créa Mille Francs de récompense[1], il révéla au grand public un aspect inconnu de Victor Hugo, celui du Théâtre en liberté. Ni mélodrame, ni comédie pure, la pièce transgressait les codes du théâtre de son époque, pour offrir à ses lecteurs – car il n’était pas question pour Hugo de donner à jouer tant que la liberté ne serait pas rétablie – un réquisitoire politique et social, à la verve jubilatoire.

Dans son intégralité, le texte demande dix-sept comédiens et bon nombre de figurants. Hubert Gignoux l’adapta pour sa Comédie de l’Est, et ses dix comédiens. C’est cette version que la Comédie-Française reprit en 1995. Certains se souviennent de celles de Marcel Maréchal en 1966, de Benno Besson en 1990, de Laurent Serrano en 2000[2], et de la savoureuse adaptation faite par Vincent Colin pour la troupe malgache Landy Vola Fotsy en 2004.

René Loyon avait donnée la pièce dans son intégralité en 1985. Il respectait non seulement le texte, mais également les indications scéniques de l’auteur qui esquissait toujours son décor avant d’écrire. La très belle mise en scène de Laurent Pelly en 2010 nous avait comblés.

Retrouver Mille Francs de récompense avec une jeune troupe c’était donc, pour l’hugolienne que je suis, une nouvelle aventure.

Lorsque Glapieu (Maxime Atmani) est apparu, côté spectateurs, sur les marches des gradins, avec son petit sac à dos, son blouson à capuche, et sa démarche souple, je me suis dit : « c’est lui, tout à fait lui ».

En effet, quand Victor Hugo écrit Mille Francs de récompense, en 1866, il fait d’un gueux, Glapieu, le rôle principal de sa pièce. Et cette souple silhouette dont la « tenue manque de respectabilité », convient tout à fait au personnage. Il s’adresse au public, et dresse un terrible réquisitoire contre l’injustice :

« Est-il possible de pourchasser un pauvre homme comme cela, qui ne fait de mal à personne, uniquement parce qu’il a accompli autrefois une sottise. C’est de mon vieux temps, j’étais enfant. C’est égal, ça me suit. Ça ne pardonne pas, la première sottise, […] fil à la patte qui ne casse jamais.

Ô qui que vous soyez, qui ne voulez pas faire la deuxième sottise, ne faites pas la première.

Je passais, j’étais gamin, le tiroir d’une fruitière était entr’ouvert, il bâillait, il avait l’air de s’ennuyer, je lui fis une farce, je lui chipai douze sous.

On me happa, on me soutint que j’avais forcé le tiroir.

J’avais seize ans. C’est grave. Quinze ans et onze mois, on est un polisson ; quinze ans et treize mois, on est un bandit.

[…] Je n’étais pas même un filou ; on me jugea digne de passer voleur.

On me mit pour trois ans dans une maison d’éducation. A Poissy. J’appris là des choses bien utiles à la société. Du tiroir des fruitières, je m’élevai à la caisse des banquiers.

Un professeur […] m’expliqua le coffre-fort et la manière de s’en servir. […]

C’est ainsi qu’on devient, grâce à la sollicitude de la société, un homme à talents. » […]

Gouailleur et insolent comme Gavroche, Glapieu est aussi généreux que Monseigneur Myriel, aussi traqué que Jean Valjean :

« Je suis si essoufflé que je n’ai pas le temps de devenir vertueux.

Chien de sort ! Ah ! C’est comme ça ! Eh bien ! On va voir, la première bonne action que je trouve à faire, je me jette dessus, je la fais.

Ça mettra le bon Dieu dans son tort ! »

Et déjà, spectatrice satisfaite, je souris à la mise en scène de Kheireddine Lardjam.

J’admets que le metteur en scène renverse l’ordre des entrées, que ce soit Glapieu qui parle le premier et que notre jeune première n’intervienne qu’après lui.

Les panneaux translucides flanqués de banquettes, mobiles et modulables à vue pour délimiter l’espace et le modifier (scénographie d’Estelle Gautier) s’accordent à l’esprit de la pièce. Des ombres d’oiseaux volètent (dessins de Jean-François Rossi), un masque coloré traverse la scène, - « nous sommes en carnaval » -, et je me rassérène.

Mais voici qu’apparaît Cyprienne (Aïda Hamri) … Hugo l’avait conçue en « robe de toile, propre, blanche, pauvrement et gracieusement simple. », elle apparaît en tenue « gothique ».

Bon ! Je consens. Une adolescente, aujourd’hui, se pose souvent en provocatrice.

Actualisons !

Mais pour quelles raisons hurle-t-elle sur le « vieillard qui dort » ? Alors que tout dans ses paroles et ses gestes ne devrait être que tendresse envers ce « Pauvre grand-père! » qu’elle gourmande gentiment :

« Vous êtes mon grand-papa, mais je suis votre petite maman. Dormez à présent. (Elle le regarde dormir.) Moi je suis comme ma mère, elle m'a pour fille, et moi, voilà mon enfant. »

Hugo l’imaginait Cordélia[3], on me présente une Lady Macbeth ! Cette perversion me contrarie…

Heureusement Glapieu revient. Et Cyprienne fait la « bonne action » qui permet à ce pauvre « excentrique en rupture de ban » d’échapper aux argousins.

Me voilà donc, spectatrice témoin et complice des tribulations du persécuté de la société.

Je reprends confiance.

Naïve que j’étais ! L’apparition d’Étiennette (Linda Chaïb) me consterne… Qu’en a-t-on fait ? « En robe de toile comme Cyprienne » écrivait Hugo. « Comme », c’est-à-dire « propre » et « gracieusement simple ». Porter de la toile en février, quand le bourgeois s’habille de laine et de velours, est un signe de pauvreté. Que les robes soient « propres » et simples montre la décence des deux femmes, leur volonté de garder leur dignité, leur modestie. Or, ladite mère en pantalon rose bonbon et veste de peluche blanche, balance un sac rose pailleté, se cache derrière des lunettes de soleil panoramiques et vocifère comme une hystérique. À croire que ces deux figures féminines méritent bien le sort qui les attend ! Il me semble pourtant que Victor Hugo les peignait en innocentes victimes d’une société close et corrompue.

Rien ne va plus comme on dirait au Tripot sauvage. Mais nous n’en sommes pas encore là.

Rousseline (Azeddine Benamara),n’est pas chauve comme le décrivait Hugo, dans les didascalies et comme le soulignait un Glapieu sarcastique :

« Un homme chauve. Dans un endroit où il y a des femmes ! Attention. »

Qu’à cela ne tienne, il a le costume sombre, la barbe intégriste et l’œil mauvais d’un traître du boulevard du Crime. Je l’accepte puisqu’on « lui donnerait le diable sans confession. »

Que l’Huissier soit aussi Scabeau (Romaric Bourgeois) et qu’il chante son texte sur une guitare électrique avec fond tumultueux de rock ne me dérangerait pas si j’entendais les paroles. Mais la techno engloutit tout.

Et tout se décompose !

Edgar (Etienne Durot) se retrouve en caleçon comme au vaudeville.

Cyprienne débite son joli serment d’amour :

« Regardez au fond de mes yeux. Edgar, après la mort, dans le ciel, je ne vous aimerai pas davantage; seulement je vous aimerai dans plus de lumière. Edgar, mon sourire, c'est vous. Ma tristesse, c'est vous. Quelle chose étrange que de penser toujours à quelqu'un ! Le matin je me lève, je me dis : '' le verrai-je aujourd’hui.'' Je me dis : '' viendra-t-il ? '' Je tremble quand vous venez, j'ai peur, mais c'est ma joie. Quand vous êtes parti, à peine la porte est-elle refermée, je me rappelle tous les mots que vous avez dits, le gilet que vous aviez, vos gants, votre chapeau posé sur la chaise, le rayon de soleil qu'il faisait, je passe ma journée à cela, je n'ai pas autre chose dans l'esprit, je me fais des reproches, oui, vous serez mon mari, vous êtes déjà mon âme. Oh! quel profond oubli que l'amour ! »

avec l’indifférence dédaigneuse d’une écolière qui n’en pense pas un mot.

Le Major Gédouard (Samuel Churin) parvient presque à sauver son rôle et je me dis que tout n’est pas perdu.

Hélas ! Quand on n’a pas assez de comédiens pour monter un drame romantique, il faut avoir des idées. Celle de réunir en une même personne, Rousseline et Barutin, le jeune député, ami de Tancrède de Pontresme (Cédric Veschambre), n’est pas la pire. Supprimer le tiers de l’acte II non plus.

Et puisqu’on garde les attaques contre la justice :

Il faut être absolument en démence, quand on peut jouir de la vie, pour se mettre à juger les hommes! […]

Mais où donc est la raison humaine ? Ils s'entortillent dans beaucoup de calicot rouge, et les voilà tout fiers. Ils appellent cela la pourpre judiciaire.

Je suis indigné. Au lieu de rire, de boire, de chanter, d'être amoureux comme les oiseaux ! on est monsieur le conseiller, monsieur le procureur !

Vanités puériles ! […] »

contre la famille:

« Mon oncle a cette manie-là. Juger, jugeoter, jugeailler ! Ah! je hais les toques, et les toqués! »

[…]

À tous les diables tous les oncles ! Ah! les grands-parents, les perruques, les toges, les rabats, tous les vieux yeux ronds fixes de la famille, Argan juge, Orgon président, Géronte chancelier ! faisons-les frémir. Amusons-nous. »

réjouissons-nous avec ce malicieux Pontresme tout à fait congruent.

Le vrai crime se fait au troisième acte quand le baron de Puencarral, interprété par le même comédien qui jouait le grand-père, se mue en cynique blasé.

Que disait Barutin de ce baron, dans le texte de Hugo ? Avant qu’il n’apparaisse, le personnage était longuement présenté. On ne pouvait pourtant pas faire d’erreur :

« Ce Puencarral, […] un millionnaire au désespoir, et de plus, un capitaliste naïf. […]

On le fraude, on le fait tomber dans des chausse-trapes, il s'en tire plus riche qu'auparavant. Il a de la chance, une hausse survient, on ne sait quoi, et la tricherie qu'on lui a faite tourne à son profit. Il s'est enrichi à être dupe comme tel autre à être fripon. »

[…]« Au total, c'est un honnête homme. Il s'est enrichi très loyalement dans les grandes affaires. Il a fait des spéculations heureuses et considérables. Il n'y a pas d'eau trouble dans sa pêche. »

Nous savions tout sur lui avant qu’il n’entre en scène :

[…]

« Ce Puencarral s'appelle quelque chose comme Aubry, Landry, André, un nom très commun, le premier nom venu. Tu sais de ces noms comme Dumont et Durand. Tout le monde s'appelle comme cela. Il a prêté de l'argent au roi d'Espagne qui l'a fait baron de Puencarral. »

Alors, pourquoi, puisqu’on caviarde le texte de Mille francs de récompense, aller l’échanger contre celui de L’Homme qui rit ? Pourquoi confondre le règne de Charles X, en France, vers1825, avec celui de Charles II en Angleterre en 1660 ?

La « chie-en lit » du carnaval ne justifie pas tout !

Pourquoi mettre dans la bouche du baron « mélancolique » et philanthrope, des paroles ironiques et caustiques sur le peuple ? Pourquoi Samuel Churin qui jouait déjà le major Gédouard passe-t-il du rôle de père noble à celui d’amant ? Conflit oedipien non réglé ? Pourquoi prend-il ce ton d’indifférence en évoquant son amour de jeunesse, alors qu’il le fait activement rechercher ? Pourquoi taire la raison qui l’a contraint d'abandonner son Étiennette ?

« […] La loi militaire m'a saisi, je n'étais plus amant, ni père, ni homme, j'étais esclave, j'étais soldat ; il a fallu partir. Il a fallu laisser derrière moi cette femme, cette mère, et cette enfant, cette petite fille dont j'avais vu le sourire. Oh ! ce sourire est resté sur moi. C'est une lumière sur ma vie. Cette lumière rend tout le reste sombre. Les événements sont arrivés. Je suis revenu de la guerre. À mon retour, hélas, en notre siècle cette histoire est dans presque toutes les familles, trouvé les ténèbres et le deuil. »

et il ajoute : « […] Ma vie était brisée »

Pourquoi laisser croire qu’il est indifférent au malheur des pauvres ? Alors que clairement, il s’y oppose :

[…] « Il me revient qu'on fait en mon nom beaucoup de saisies, que les huissiers travaillent de tous côtés pour ma maison, et qu'on exécute une foule de petits débiteurs. C'est là une outrance odieuse. Mettez-y un terme.

[…] Il faut être sévère aux vicieux, mais pitoyable aux malheureux. Brutaliser ceux qui souffrent, est-il rien de plus révoltant ! Et cela en mon nom ! Je sais qu'une banque ne fait pas de sentiment mais qu'on laisse en paix les misérables ! »

Enfin, et c’est le coup de grâce, la fin est tronquée, bâclée, transformée.

Car, s’il n’est pas choquant que le jeune homme qui ne voulait pas être juge, profite de sa dernière soirée de liberté pour jouer les transsexuels, il est impossible qu’il se présente le lendemain, dans ses nouvelles fonctions, avec ses hauts talons et sa tenue de carnaval ! Car, outre que Hugo croyait à la rédemption du coupable et luttait pour la réinsertion du condamné, la pièce ne se clôt pas sur la réplique de Glapieu :

« Je suis Glapieu le récidiviste, vous dis-je. Un récidiviste ne peut être qu'un récidiviste. »

Il y a d’abord la gratitude émerveillée de Cyprienne se « tournant vers Glapieu »,

« Ah ! vous êtes le bon Dieu ! »

Il y a la réponse de Glapieu en forme de boutade :

« C'est trop d'avancement. Non. […]

Mademoiselle, vous allez voir le bon Dieu sortir entre deux gendarmes. «

Il y a la générosité de Puencarral qui intercède auprès de Pontresme :

« Monsieur le substitut, il n'y a pas de plainte portée. Je m'intéresse profondément à cet homme. Je demande sa mise en liberté. . .

[…] J'insiste, monsieur le substitut. . . »

Il y a la réponse positive, (ou presque) de Pontresme :

« Mais soyez tranquille, monsieur le baron. On sera indulgent. On fera ce qu'on pourra.

A Glapieu.

On vous sauvera peut-être du bagne. On aura égard à beaucoup de choses. . . »

Il y a la grandeur d’âme de Glapieu, le paria, qui, inverse les rôles, sur le ton de la confidence, « Bas à M. de Pontresme » :

« Je vous ai reconnu. Mais pas tout haut. C'était vous le faux nez. Mais vous avez été un bon garçon dans ce boui-boui du Tripot Sauvage. Je n'ai pas voulu vous compromettre. Je vous ai ménagé. »

mais qui lance à Rousseline un :

« Au revoir. »

promettant à l’aigrefin des jours intranquilles.

Ah ! M. Kheireddine Lardjam, vous m’avez gâché ma soirée…

Heureusement, Victor Hugo en a vu d’autres et des meilleures !

Vous avez manqué tant de belles répliques, comme celle-ci :

« La vérité finit toujours par être inconnue. »

que je me demande, comme Louis Aragon : « Avez-vous lu Victor Hugo ? »

Mille Francs de récompense de Victor Hugo

Mise en scène de Kheireddine Lardjam

Théâtre de l’Aquarium

0 43 74 99 61

www.theatredelaquarium.com

Du mardi au samedi à 20 h

Dimanche à 16 h

Jusqu’au 8 avril

[1] - Publiée dans L’Avant-Scène Théâtre ( N°248). Voir in Théâtre en Liberté, édition Folio, P. 730, la recherche d’Arnaud Laster sur les différentes mises en scène.

[2] - Publiée dans L’Avant-Scène Théâtre (N°1079)

[3] - in Le Roi Lear de Shakespeare. Arnaud Laster in Théâtre en liberté en souligne la parenté. (Folio Classiques)

Pas de bobards sur la guerre !

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Mon, 05 Feb 2018 12:30:00 +0100

Comment parler de la guerre aux enfants ? Comment, à l’heure des commémorations du centenaire, les émouvoir sur le sort de ces milliers de jeunes hommes qui laissèrent dans les tranchées boueuses leurs illusions, leurs espoirs et leur vie ?

Alexandre Letondeur, s’inspirant des « journaux des tranchées » a conçu Le Petit Poilu illustré comme un époustouflant numéro de clowns. Il montre avec humour la volonté des puissances, l’enchaînement des alliances, la cruauté de hiérarchies militaires et son mépris de la chair à canon, en jouant sur le grotesque des situations, des costumes (Pierre-Jean Beroy), de l’équipement.

L’auteur est Paul, l’Auguste du duo, qui encaisse toutes les avanies avec l’air naïf d’un brave poilu. Romain Puyuelo (Ferdinand) est son partenaire autoritaire et suffisant. Et sous la direction de Ned Grujic, les deux compères, revenus de l’au-delà nous conte la Guerre sans verser dans le pathos.

Et pourtant ! Ces deux hommes, n’en reviendront pas ! Ils vont mourir à Verdun pour « garder le terrain conquis », quinze fois abandonné, quinze fois repris. Ils citent les chefs indifférents : Joffre et Nivelle. Ils chantent la terrible Chanson de Craonne, hymne de leur désespoir. Et La Madelon de la victoire qu’ils ne pourront entonner avec les vainqueurs.

La scène commence dans une chambre d’enfants, mais chaque objet, tableau, parc, poupées, fusil de bois, est vite détourné de sa fonction. À la guerre, c’est toujours les mêmes qui trinquent !

Ils questionnent les enfants qui assistent au spectacle, et qui vibrent aux injustices. Et ces échanges forment l’esprit critique qui manque aujourd’hui à tant de frères humains. Les dates sont rigoureusement données, les faits avérés, car on ne peut pas mentir aux enfants ni raconter des bobards aux adultes !

Ce spectacle tourne depuis 2014, et va encore tourner. Ne le manquez pas.

Le Petit Poilu illustré d'Alexandre Letondeur

Jusqu’au 24 mars au Lucernaire

01 42 22 66 87

Mercredi et samedi à 14H30, dimanche 14H

Et pendant les vacances scolaires du mardi au dimanche

En tournée :

- 25 mars 2018 au Pecq (78)
- 27 mars 2018 à La Chapelle Saint Luc (10)
- 7 avril 2018 à Bailly (78)
- 10 avril 2018 à Brunoy (91)
- 3 au 5 octobre 2018 à Beaugency (45)
- 12 octobre 2018 à St Quentin Fallavier (38)
- 16 et 17 octobre 2018 à Clermont-Ferrand (63)

- 19 et 20 octobre 2018 à Avallon (89)

- 24 octobre 2018 à La Ferté-sous-Jouarre (77) –

- 11 novembre 2018 à St-Georges-sur-Cher (41)

- 12 novembre 2018 à Eragny (95)
- 14 novembre 2018 à St Dié-les-Vosges (88)
- 16 novembre 2018 à Longvic (21)
- 20 novembre 2018 à Dax (40)
- 24 novembre 2018 à Lambesc (13)
- 27 novembre 2018 à Rognac (13)
- 19 au 22 décembre 2018 à Pontarlier (25)

Théâtre du Soleil en tournée

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Wed, 29 Nov 2017 23:50:01 +0100

Le théâtre du Soleil jouera Une Chambre en Inde du 5 au 20 décembre 2017au Park Avenue Armory, à New York...

Puis le spectacle reviendra à la Cartoucherie, à partir du 24 février 2018. Si vous ne l'avez pas encore vu, préparez vos agendas !

La Huchette en balade

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Fri, 22 Sep 2017 09:02:00 +0200

Attention, plus que deux soirs pour en profiter ! Ne manquez pas la balade que propose le théâtre de la Huchette

Honnis soient qui mâles y pensent !

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Fri, 08 Sep 2017 21:23:00 +0200

Vous pensiez qu’après Les Travailleurs de la mer et les pages sur l’île de Serq, Victor Hugo vous avait tout appris sur les îles anglo-normandes. Mais vous ne connaissiez pas encore Les Deux Frères et les Lions de Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre qui s’inspire d’une histoire vraie. Il vous raconte, comment des frères jumeaux anglais, devenus milliardaires, ont remis en cause presque cinq cents ans de droit féodal régissant l’île de Brecqhou (qui dépend de l’île de Serq et de son seigneur) jusqu’en 2008. Une législation qui considérait la femme comme imbecilitas sexus et la privait de tous ses droits. Seuls les mâles héritaient, seuls ils pouvaient ester, bannir, tuer, les femmes n’avaient qu’à obéir. Honnis soient-ils…

Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre en répondant à une commande de la scène nationale de Cherbourg a découvert la rocambolesque histoire des deux frères issus d’un milieu populaire, et qui débutèrent comme vendeurs de journaux. Nous ne nommerons pas ici les frères dont il est question. Mais vous pouvez vérifier sur la Toile. Tout y est presque vrai, et rien n’est totalement véridique. Jouvet vous l’avait déjà affirmé: « Rien de plus futile, de plus faux, de plus vain, de plus nécessaire que le théâtre. » Les Deux Frères et les Lions en sont la preuve.

Et les lions me direz-vous ? Vous les trouverez sur les armoiries et le drapeau de l’île de Serq, lions d’or sur fond de gueules. Puisque je vous dis que tout est vrai !

Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre, l’auteur joue le frère aîné. Son jumeau, le soir où nous l’avons vu, était interprété par Lisa Pajon (en alternance avec Romain Berger). Les jumeaux ne se ressemblent pas. Mais ils sont vêtus de survêtements identiques, d’un bleu qu’ils nomment « étrusque », rayé de bandes sombres, modèle des années 1980. Ils s’accordent, vibrionnent, parlent en chœur, ou bien l’un complète les phrases que l’autre commence, et inversement. C’est un duo d’opéra qu’interrompent le rituel du thé, la danse, les déplacements. C’est un régal.

La mise en scène de Vincent Debost et de l’auteur – il sait tout faire cet arlequin ! – donne à l’ensemble un charme de ballet enjoué. Des projections vidéo, en découverte, ajoutent à la fascination qu’on éprouve pour ces deux autodidactes qui « ne lâchent rien ! », obstinés, rageurs, rancuniers et intelligents.

Ils parviennent à nous faire rire du capitalisme et à nous le rendre sympathique.

Les occasions d’en rire sont si rares que vous devriez vous y ruer.

Les Deux Frères et les Lions de Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre

Théâtre de Poche-Montparnasse

www.theatredepoche-montparnasse.com

01 45 44 50 21

Depuis le 1^er septembre jusqu’au 26 novembre

Du mardi au samedi à 19 h, dimanche à 17 h 30

Oui à Avignon ! (bis)

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Thu, 29 Jun 2017 13:47:36 +0200

Oui à Avignon ! (bis)

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Thu, 29 Jun 2017 13:47:32 +0200