D. Dumas, théâtres - Livre

Livre

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Tue, 18 Sep 2018 16:54:00 +0200

Il vient de m’arriver un joli petit livre (11 x 15), à la couverture grise et bleue comme la carte postale qu’elle représente : enfants sages vêtus de blouses trop longues sur une plage de galets où les pêcheurs ont laissé leurs paniers et leurs barques.

Temps révolus, nostalgie et poésie.

Yoland Simon y évoque sa Normandie et son enfance en une cinquantaine de textes courts, cinq à six lignes, qui commencent tous par les mots : « Il suffisait à l’enfant » et qui se regroupent par thème : « La maison, la mer, les jours, les travaux, le pays ».

Et quand parle l’auteur, s’éveillent en nous les mêmes souvenirs : le car qui nous conduit chez la grand-mère, les jardins, les sentiers, les buissons, les ruisseaux et la mer. Renaissent alors, où que nous les ayons vécus, les images du passé, les gestes tendres et muets, les connivences et les inquiétudes, la joie parfois, la mélancolie souvent. Tout un monde intime enseveli dans nos têtes et que jamais aucun portable ne pourra ressusciter.

Lisez, il faut lire pour ne pas oublier...

Il suffisait à l’enfant de Yoland Simon, éditions de l’Aiguille, 10 €

Richard pour mémoire

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Tue, 21 Aug 2018 12:06:23 +0200

Je l'avais toujours connu souriant... ou en colère.

J'aimais son rire et ses révoltes.

J'aimais ses textes et ses mises en scène, son humour, son imagination.

J'ai encore en mémoire sa "Chasse au snark" et le miroir d'eau dans lequel les comédiens se mouvaient.

Je pense à "A quoi rêvent les vieux enfants" chaque fois qu'on évoque la vieillesse, et à la "Guérillère soprano", quand on évoque les femmes rebelles.

Ses Ubus africains sont toujours d'actualité...

Son "Enfant d'éléphant" n'est plus celui de Kipling, mais le sien, le nôtre aussi un peu, puisque nous l'avions publié, comme beaucoup de ses textes.

Il racontait l'épopée des utopistes mais aussi les déchirements intimes comme dans la "Nuit du père".

Il était fier de son fils, Emmanuel, et il avait raison.

C'est aujourd'hui vers le fils que nous nous tournons pour lui dire notre peine, mais aussi pour le réconforter et lui dire de continuer, et d'enrichir toujours nos beaux moments de Théâtre.

Au revoir Richard... S'il y a une éternité, j'aimerais te retrouver dans un paradis joyeux où tu referais le monde.

Théâtre à lire… et à jouer

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Sat, 09 Jun 2018 19:17:00 +0200

Ce n’est pas la première fois que Jean-Paul Alègre, fait vibrer sa corde écologique. Déjà il y a quelques années, Blaye avait résonné de sa parole poétique, mais aussi prophétique :

« Moi, l’eau de la Gironde, je suis la belle de l’Estuaire. Lourde, lente et vive, ronde. Puissamment, je glisse vers la mer. »

« Moi l’eau de la Centrale, je suis la gardienne de l’atome. Silencieuse, transparente, secrète. Sans vagues, sans rides, je veille sur le sort des hommes... »

Aujourd’hui, avec Le Tourbillon de la Grande Soif, il crie son désespoir de constater que l’espèce humaine court à sa perte.

« Celle qui veille » a d’abord été « Celle qui pêche », elle est devenue la femme « qui sait » avant de terminer « Celle qui passe ». Poignant personnage, magnifique, idéale et vaincue. Elle seule, moderne Cassandre, aurait pu sauver les humains de la folie destructrice qui les conduit à « la catastrophe ». Mais la guerre eut lieu et Troie fut détruite. Écoute-t-on la voix de la raison quand les chefs ne pensent qu’au profit ? Face à elle et contre elle se dresse un personnage cynique et énigmatique dont le nom est un palindrome. Autour d'elles, des faibles, des cupides ou des ignorants. L'humanité est en danger. Peut-on encore la sauver ?

Mais je vous laisse découvrir la pièce, et la monter peut-être. Seize personnages, mais on peut la jouer à quatre. Jean-Paul Alègre, fidèle à ses « distributions évolutives » tient compte de votre budget. Et, fidèle à l’idée qu’il se fait du théâtre, il en fait une tribune.

Le Tourbillon de la Grande Soif de Jean-Paul Alègre

L’Avant-Scène Théâtre, collection des Quatre-Vents, 10 €

La Chie-en-lit du Carnaval

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Tue, 27 Mar 2018 15:33:00 +0200

Quand Hubert Gignoux, en 1961 créa Mille Francs de récompense[1], il révéla au grand public un aspect inconnu de Victor Hugo, celui du Théâtre en liberté. Ni mélodrame, ni comédie pure, la pièce transgressait les codes du théâtre de son époque, pour offrir à ses lecteurs – car il n’était pas question pour Hugo de donner à jouer tant que la liberté ne serait pas rétablie – un réquisitoire politique et social, à la verve jubilatoire.

Dans son intégralité, le texte demande dix-sept comédiens et bon nombre de figurants. Hubert Gignoux l’adapta pour sa Comédie de l’Est, et ses dix comédiens. C’est cette version que la Comédie-Française reprit en 1995. Certains se souviennent de celles de Marcel Maréchal en 1966, de Benno Besson en 1990, de Laurent Serrano en 2000[2], et de la savoureuse adaptation faite par Vincent Colin pour la troupe malgache Landy Vola Fotsy en 2004.

René Loyon avait donnée la pièce dans son intégralité en 1985. Il respectait non seulement le texte, mais également les indications scéniques de l’auteur qui esquissait toujours son décor avant d’écrire. La très belle mise en scène de Laurent Pelly en 2010 nous avait comblés.

Retrouver Mille Francs de récompense avec une jeune troupe c’était donc, pour l’hugolienne que je suis, une nouvelle aventure.

Lorsque Glapieu (Maxime Atmani) est apparu, côté spectateurs, sur les marches des gradins, avec son petit sac à dos, son blouson à capuche, et sa démarche souple, je me suis dit : « c’est lui, tout à fait lui ».

En effet, quand Victor Hugo écrit Mille Francs de récompense, en 1866, il fait d’un gueux, Glapieu, le rôle principal de sa pièce. Et cette souple silhouette dont la « tenue manque de respectabilité », convient tout à fait au personnage. Il s’adresse au public, et dresse un terrible réquisitoire contre l’injustice :

« Est-il possible de pourchasser un pauvre homme comme cela, qui ne fait de mal à personne, uniquement parce qu’il a accompli autrefois une sottise. C’est de mon vieux temps, j’étais enfant. C’est égal, ça me suit. Ça ne pardonne pas, la première sottise, […] fil à la patte qui ne casse jamais.

Ô qui que vous soyez, qui ne voulez pas faire la deuxième sottise, ne faites pas la première.

Je passais, j’étais gamin, le tiroir d’une fruitière était entr’ouvert, il bâillait, il avait l’air de s’ennuyer, je lui fis une farce, je lui chipai douze sous.

On me happa, on me soutint que j’avais forcé le tiroir.

J’avais seize ans. C’est grave. Quinze ans et onze mois, on est un polisson ; quinze ans et treize mois, on est un bandit.

[…] Je n’étais pas même un filou ; on me jugea digne de passer voleur.

On me mit pour trois ans dans une maison d’éducation. A Poissy. J’appris là des choses bien utiles à la société. Du tiroir des fruitières, je m’élevai à la caisse des banquiers.

Un professeur […] m’expliqua le coffre-fort et la manière de s’en servir. […]

C’est ainsi qu’on devient, grâce à la sollicitude de la société, un homme à talents. » […]

Gouailleur et insolent comme Gavroche, Glapieu est aussi généreux que Monseigneur Myriel, aussi traqué que Jean Valjean :

« Je suis si essoufflé que je n’ai pas le temps de devenir vertueux.

Chien de sort ! Ah ! C’est comme ça ! Eh bien ! On va voir, la première bonne action que je trouve à faire, je me jette dessus, je la fais.

Ça mettra le bon Dieu dans son tort ! »

Et déjà, spectatrice satisfaite, je souris à la mise en scène de Kheireddine Lardjam.

J’admets que le metteur en scène renverse l’ordre des entrées, que ce soit Glapieu qui parle le premier et que notre jeune première n’intervienne qu’après lui.

Les panneaux translucides flanqués de banquettes, mobiles et modulables à vue pour délimiter l’espace et le modifier (scénographie d’Estelle Gautier) s’accordent à l’esprit de la pièce. Des ombres d’oiseaux volètent (dessins de Jean-François Rossi), un masque coloré traverse la scène, - « nous sommes en carnaval » -, et je me rassérène.

Mais voici qu’apparaît Cyprienne (Aïda Hamri) … Hugo l’avait conçue en « robe de toile, propre, blanche, pauvrement et gracieusement simple. », elle apparaît en tenue « gothique ».

Bon ! Je consens. Une adolescente, aujourd’hui, se pose souvent en provocatrice.

Actualisons !

Mais pour quelles raisons hurle-t-elle sur le « vieillard qui dort » ? Alors que tout dans ses paroles et ses gestes ne devrait être que tendresse envers ce « Pauvre grand-père! » qu’elle gourmande gentiment :

« Vous êtes mon grand-papa, mais je suis votre petite maman. Dormez à présent. (Elle le regarde dormir.) Moi je suis comme ma mère, elle m'a pour fille, et moi, voilà mon enfant. »

Hugo l’imaginait Cordélia[3], on me présente une Lady Macbeth ! Cette perversion me contrarie…

Heureusement Glapieu revient. Et Cyprienne fait la « bonne action » qui permet à ce pauvre « excentrique en rupture de ban » d’échapper aux argousins.

Me voilà donc, spectatrice témoin et complice des tribulations du persécuté de la société.

Je reprends confiance.

Naïve que j’étais ! L’apparition d’Étiennette (Linda Chaïb) me consterne… Qu’en a-t-on fait ? « En robe de toile comme Cyprienne » écrivait Hugo. « Comme », c’est-à-dire « propre » et « gracieusement simple ». Porter de la toile en février, quand le bourgeois s’habille de laine et de velours, est un signe de pauvreté. Que les robes soient « propres » et simples montre la décence des deux femmes, leur volonté de garder leur dignité, leur modestie. Or, ladite mère en pantalon rose bonbon et veste de peluche blanche, balance un sac rose pailleté, se cache derrière des lunettes de soleil panoramiques et vocifère comme une hystérique. À croire que ces deux figures féminines méritent bien le sort qui les attend ! Il me semble pourtant que Victor Hugo les peignait en innocentes victimes d’une société close et corrompue.

Rien ne va plus comme on dirait au Tripot sauvage. Mais nous n’en sommes pas encore là.

Rousseline (Azeddine Benamara),n’est pas chauve comme le décrivait Hugo, dans les didascalies et comme le soulignait un Glapieu sarcastique :

« Un homme chauve. Dans un endroit où il y a des femmes ! Attention. »

Qu’à cela ne tienne, il a le costume sombre, la barbe intégriste et l’œil mauvais d’un traître du boulevard du Crime. Je l’accepte puisqu’on « lui donnerait le diable sans confession. »

Que l’Huissier soit aussi Scabeau (Romaric Bourgeois) et qu’il chante son texte sur une guitare électrique avec fond tumultueux de rock ne me dérangerait pas si j’entendais les paroles. Mais la techno engloutit tout.

Et tout se décompose !

Edgar (Etienne Durot) se retrouve en caleçon comme au vaudeville.

Cyprienne débite son joli serment d’amour :

« Regardez au fond de mes yeux. Edgar, après la mort, dans le ciel, je ne vous aimerai pas davantage; seulement je vous aimerai dans plus de lumière. Edgar, mon sourire, c'est vous. Ma tristesse, c'est vous. Quelle chose étrange que de penser toujours à quelqu'un ! Le matin je me lève, je me dis : '' le verrai-je aujourd’hui.'' Je me dis : '' viendra-t-il ? '' Je tremble quand vous venez, j'ai peur, mais c'est ma joie. Quand vous êtes parti, à peine la porte est-elle refermée, je me rappelle tous les mots que vous avez dits, le gilet que vous aviez, vos gants, votre chapeau posé sur la chaise, le rayon de soleil qu'il faisait, je passe ma journée à cela, je n'ai pas autre chose dans l'esprit, je me fais des reproches, oui, vous serez mon mari, vous êtes déjà mon âme. Oh! quel profond oubli que l'amour ! »

avec l’indifférence dédaigneuse d’une écolière qui n’en pense pas un mot.

Le Major Gédouard (Samuel Churin) parvient presque à sauver son rôle et je me dis que tout n’est pas perdu.

Hélas ! Quand on n’a pas assez de comédiens pour monter un drame romantique, il faut avoir des idées. Celle de réunir en une même personne, Rousseline et Barutin, le jeune député, ami de Tancrède de Pontresme (Cédric Veschambre), n’est pas la pire. Supprimer le tiers de l’acte II non plus.

Et puisqu’on garde les attaques contre la justice :

Il faut être absolument en démence, quand on peut jouir de la vie, pour se mettre à juger les hommes! […]

Mais où donc est la raison humaine ? Ils s'entortillent dans beaucoup de calicot rouge, et les voilà tout fiers. Ils appellent cela la pourpre judiciaire.

Je suis indigné. Au lieu de rire, de boire, de chanter, d'être amoureux comme les oiseaux ! on est monsieur le conseiller, monsieur le procureur !

Vanités puériles ! […] »

contre la famille:

« Mon oncle a cette manie-là. Juger, jugeoter, jugeailler ! Ah! je hais les toques, et les toqués! »

[…]

À tous les diables tous les oncles ! Ah! les grands-parents, les perruques, les toges, les rabats, tous les vieux yeux ronds fixes de la famille, Argan juge, Orgon président, Géronte chancelier ! faisons-les frémir. Amusons-nous. »

réjouissons-nous avec ce malicieux Pontresme tout à fait congruent.

Le vrai crime se fait au troisième acte quand le baron de Puencarral, interprété par le même comédien qui jouait le grand-père, se mue en cynique blasé.

Que disait Barutin de ce baron, dans le texte de Hugo ? Avant qu’il n’apparaisse, le personnage était longuement présenté. On ne pouvait pourtant pas faire d’erreur :

« Ce Puencarral, […] un millionnaire au désespoir, et de plus, un capitaliste naïf. […]

On le fraude, on le fait tomber dans des chausse-trapes, il s'en tire plus riche qu'auparavant. Il a de la chance, une hausse survient, on ne sait quoi, et la tricherie qu'on lui a faite tourne à son profit. Il s'est enrichi à être dupe comme tel autre à être fripon. »

[…]« Au total, c'est un honnête homme. Il s'est enrichi très loyalement dans les grandes affaires. Il a fait des spéculations heureuses et considérables. Il n'y a pas d'eau trouble dans sa pêche. »

Nous savions tout sur lui avant qu’il n’entre en scène :

[…]

« Ce Puencarral s'appelle quelque chose comme Aubry, Landry, André, un nom très commun, le premier nom venu. Tu sais de ces noms comme Dumont et Durand. Tout le monde s'appelle comme cela. Il a prêté de l'argent au roi d'Espagne qui l'a fait baron de Puencarral. »

Alors, pourquoi, puisqu’on caviarde le texte de Mille francs de récompense, aller l’échanger contre celui de L’Homme qui rit ? Pourquoi confondre le règne de Charles X, en France, vers1825, avec celui de Charles II en Angleterre en 1660 ?

La « chie-en lit » du carnaval ne justifie pas tout !

Pourquoi mettre dans la bouche du baron « mélancolique » et philanthrope, des paroles ironiques et caustiques sur le peuple ? Pourquoi Samuel Churin qui jouait déjà le major Gédouard passe-t-il du rôle de père noble à celui d’amant ? Conflit oedipien non réglé ? Pourquoi prend-il ce ton d’indifférence en évoquant son amour de jeunesse, alors qu’il le fait activement rechercher ? Pourquoi taire la raison qui l’a contraint d'abandonner son Étiennette ?

« […] La loi militaire m'a saisi, je n'étais plus amant, ni père, ni homme, j'étais esclave, j'étais soldat ; il a fallu partir. Il a fallu laisser derrière moi cette femme, cette mère, et cette enfant, cette petite fille dont j'avais vu le sourire. Oh ! ce sourire est resté sur moi. C'est une lumière sur ma vie. Cette lumière rend tout le reste sombre. Les événements sont arrivés. Je suis revenu de la guerre. À mon retour, hélas, en notre siècle cette histoire est dans presque toutes les familles, trouvé les ténèbres et le deuil. »

et il ajoute : « […] Ma vie était brisée »

Pourquoi laisser croire qu’il est indifférent au malheur des pauvres ? Alors que clairement, il s’y oppose :

[…] « Il me revient qu'on fait en mon nom beaucoup de saisies, que les huissiers travaillent de tous côtés pour ma maison, et qu'on exécute une foule de petits débiteurs. C'est là une outrance odieuse. Mettez-y un terme.

[…] Il faut être sévère aux vicieux, mais pitoyable aux malheureux. Brutaliser ceux qui souffrent, est-il rien de plus révoltant ! Et cela en mon nom ! Je sais qu'une banque ne fait pas de sentiment mais qu'on laisse en paix les misérables ! »

Enfin, et c’est le coup de grâce, la fin est tronquée, bâclée, transformée.

Car, s’il n’est pas choquant que le jeune homme qui ne voulait pas être juge, profite de sa dernière soirée de liberté pour jouer les transsexuels, il est impossible qu’il se présente le lendemain, dans ses nouvelles fonctions, avec ses hauts talons et sa tenue de carnaval ! Car, outre que Hugo croyait à la rédemption du coupable et luttait pour la réinsertion du condamné, la pièce ne se clôt pas sur la réplique de Glapieu :

« Je suis Glapieu le récidiviste, vous dis-je. Un récidiviste ne peut être qu'un récidiviste. »

Il y a d’abord la gratitude émerveillée de Cyprienne se « tournant vers Glapieu »,

« Ah ! vous êtes le bon Dieu ! »

Il y a la réponse de Glapieu en forme de boutade :

« C'est trop d'avancement. Non. […]

Mademoiselle, vous allez voir le bon Dieu sortir entre deux gendarmes. «

Il y a la générosité de Puencarral qui intercède auprès de Pontresme :

« Monsieur le substitut, il n'y a pas de plainte portée. Je m'intéresse profondément à cet homme. Je demande sa mise en liberté. . .

[…] J'insiste, monsieur le substitut. . . »

Il y a la réponse positive, (ou presque) de Pontresme :

« Mais soyez tranquille, monsieur le baron. On sera indulgent. On fera ce qu'on pourra.

A Glapieu.

On vous sauvera peut-être du bagne. On aura égard à beaucoup de choses. . . »

Il y a la grandeur d’âme de Glapieu, le paria, qui, inverse les rôles, sur le ton de la confidence, « Bas à M. de Pontresme » :

« Je vous ai reconnu. Mais pas tout haut. C'était vous le faux nez. Mais vous avez été un bon garçon dans ce boui-boui du Tripot Sauvage. Je n'ai pas voulu vous compromettre. Je vous ai ménagé. »

mais qui lance à Rousseline un :

« Au revoir. »

promettant à l’aigrefin des jours intranquilles.

Ah ! M. Kheireddine Lardjam, vous m’avez gâché ma soirée…

Heureusement, Victor Hugo en a vu d’autres et des meilleures !

Vous avez manqué tant de belles répliques, comme celle-ci :

« La vérité finit toujours par être inconnue. »

que je me demande, comme Louis Aragon : « Avez-vous lu Victor Hugo ? »

Mille Francs de récompense de Victor Hugo

Mise en scène de Kheireddine Lardjam

Théâtre de l’Aquarium

0 43 74 99 61

www.theatredelaquarium.com

Du mardi au samedi à 20 h

Dimanche à 16 h

Jusqu’au 8 avril

[1] - Publiée dans L’Avant-Scène Théâtre ( N°248). Voir in Théâtre en Liberté, édition Folio, P. 730, la recherche d’Arnaud Laster sur les différentes mises en scène.

[2] - Publiée dans L’Avant-Scène Théâtre (N°1079)

[3] - in Le Roi Lear de Shakespeare. Arnaud Laster in Théâtre en liberté en souligne la parenté. (Folio Classiques)

Bataille d’ego

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Fri, 16 Mar 2018 18:15:00 +0100

Entre l’auteur et son metteur en scène, l’entente n’est pas toujours cordiale. Bernard Dort parlait de la « dictature du metteur en scène », Guy Zilberstein, avec Coupes sombres, montre qu’il s’agit souvent d’une « bataille d’ego ». Chacun se croit supérieur à l’autre et veut avoir raison. Qui comprend mieux la fable, de l’auteur qui a écrit le texte, ou du metteur en scène qui organise la représentation ?

L’Auteur (Serge Bagdassarian), ici, se tient, solennel et raisonneur devant la Metteuse en scène (Anne Kessler), gracile, souriante, mais implacable. Il faut procéder à des « coupes sombres ». Un jeune bûcheron (Pierre Hancisse) proteste que la « métaphore sylvicole » est employée à tort, puisque « coupes sombres » désigne l’éclaircissement partiel destiné à ensemencer la forêt, et qu’il faudrait parler de « coupes claires » pour définir la suppression importante que la Demoiselle envisage.

Le terme « coupe réglée » n’est pas évoqué. Dommage !

Déjà révulsé par l’interprétation du décor (cinq bancs de bois pour signifier aussi bien le bloc opératoire que les différents lieux de l’action), l’Auteur se révulse à l’idée de supprimer quoi que ce soit de cette pièce qu’il a mis cinq ans à écrire et qui dure… cinq heures. Il est furieux et vitupère la « canaille subventionnée ».

Nous ne vous dirons pas comment la délicate Metteuse en scène amadoue son intransigeant auteur, mais sachez que le principal bénéficiaire sera le Bûcheron.

Quant aux spectateurs, témoins de l’affrontement, ils en dégustent le brio et la subtilité.

Coupes sombres de Guy Zilberstein

Mise en scène d’Anne Kessler

Théâtre du Rond-Point à 18 h 30,

Du 13 mars au 15 avril

Rencontre-dédicaces avec l’auteur le samedi 24 mars à 20 h

Pierre Sauvil : à lire et à jouer.

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Fri, 08 Dec 2017 17:34:00 +0100

Pierre Sauvil a le regard pétillant de malice, et le sourire ironique. Ses pièces lui ressemblent, et vous conduisent de rebondissements en ruptures, « à sauts et à gambades » (aurait dit Montaigne), vers des actes audacieux et inattendus.

Un couple constate que les gens qui s’aiment finissent par se disputer et rompre. Quand on n’aime pas la solitude, comment faire ? Facile ! Si on ne s’aime pas, on devrait pouvoir se supporter. C’est le raisonnement qui a conduit Sébastien et Chloé à vivre ensemble en bonne entente face à Bérénice et Oscar qui se chamaillent sans cesse. Ça vous paraît absurde, et pourtant c’est logique ! Comme le fait qu’Oscar passe Bérénice par la fenêtre puisque la porte est fermée…

À nos désamours peint des couples qui raisonnent ! Leurs délires sont tout à fait cohérents. Et si vous vous laissez entraîner dans leur dialectique, vous n’avez pas fini d’en rire !

Je ne vous dirai pas ce qui s’est passé au Chameau bleu. Non, il ne s’agit pas de l’antithèse de l’éléphant rose… Mais sachez que Charline, mariée à Guillaume a passé la nuit au Chameau bleu avec Ludovic, le mari de Lola ! Et que Lola n’est pas du genre à pardonner une incartade ! Comme de son côté Charline n’y voit pas autre chose qu’un « accident du travail », les protagonistes ne sont pas sur le chemin de la paix. Ou alors celui de la paix éternelle…

Dans cette livraison de Fréquence Théâtre, les amateurs de théâtre comique vont se régaler. Pierre Sauvil en est le maître incontesté.

À nos désamours et Le Chameau bleu de Pierre Sauvil, in Fréquence Théâtre N°67, éditions de la Traverse, 12, 50 €

www.librairieduspectacle.com

La Huchette en balade

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Fri, 22 Sep 2017 09:02:00 +0200

Attention, plus que deux soirs pour en profiter ! Ne manquez pas la balade que propose le théâtre de la Huchette

Alice à Moscou

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Mon, 18 Sep 2017 08:58:00 +0200

Avant de retrouver l'Espace Cardin du 13 au 30 décembre, la troupe du Théâtre de la Ville poursuit sa tournée internationale avec Alice et autres merveilles de Fabrice Melquiot, mis en scène Emmanuel Demarcy-Mota au Festival Gavroche à Moscou les 22, 23 & 24 septembre.

Honnis soient qui mâles y pensent !

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Fri, 08 Sep 2017 21:23:00 +0200

Vous pensiez qu’après Les Travailleurs de la mer et les pages sur l’île de Serq, Victor Hugo vous avait tout appris sur les îles anglo-normandes. Mais vous ne connaissiez pas encore Les Deux Frères et les Lions de Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre qui s’inspire d’une histoire vraie. Il vous raconte, comment des frères jumeaux anglais, devenus milliardaires, ont remis en cause presque cinq cents ans de droit féodal régissant l’île de Brecqhou (qui dépend de l’île de Serq et de son seigneur) jusqu’en 2008. Une législation qui considérait la femme comme imbecilitas sexus et la privait de tous ses droits. Seuls les mâles héritaient, seuls ils pouvaient ester, bannir, tuer, les femmes n’avaient qu’à obéir. Honnis soient-ils…

Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre en répondant à une commande de la scène nationale de Cherbourg a découvert la rocambolesque histoire des deux frères issus d’un milieu populaire, et qui débutèrent comme vendeurs de journaux. Nous ne nommerons pas ici les frères dont il est question. Mais vous pouvez vérifier sur la Toile. Tout y est presque vrai, et rien n’est totalement véridique. Jouvet vous l’avait déjà affirmé: « Rien de plus futile, de plus faux, de plus vain, de plus nécessaire que le théâtre. » Les Deux Frères et les Lions en sont la preuve.

Et les lions me direz-vous ? Vous les trouverez sur les armoiries et le drapeau de l’île de Serq, lions d’or sur fond de gueules. Puisque je vous dis que tout est vrai !

Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre, l’auteur joue le frère aîné. Son jumeau, le soir où nous l’avons vu, était interprété par Lisa Pajon (en alternance avec Romain Berger). Les jumeaux ne se ressemblent pas. Mais ils sont vêtus de survêtements identiques, d’un bleu qu’ils nomment « étrusque », rayé de bandes sombres, modèle des années 1980. Ils s’accordent, vibrionnent, parlent en chœur, ou bien l’un complète les phrases que l’autre commence, et inversement. C’est un duo d’opéra qu’interrompent le rituel du thé, la danse, les déplacements. C’est un régal.

La mise en scène de Vincent Debost et de l’auteur – il sait tout faire cet arlequin ! – donne à l’ensemble un charme de ballet enjoué. Des projections vidéo, en découverte, ajoutent à la fascination qu’on éprouve pour ces deux autodidactes qui « ne lâchent rien ! », obstinés, rageurs, rancuniers et intelligents.

Ils parviennent à nous faire rire du capitalisme et à nous le rendre sympathique.

Les occasions d’en rire sont si rares que vous devriez vous y ruer.

Les Deux Frères et les Lions de Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre

Théâtre de Poche-Montparnasse

www.theatredepoche-montparnasse.com

01 45 44 50 21

Depuis le 1^er septembre jusqu’au 26 novembre

Du mardi au samedi à 19 h, dimanche à 17 h 30

La liberté en chemin

noreply@blogspirit.com (Dadumas) — Sun, 04 Jun 2017 17:35:00 +0200

Nous connaissions Charlotte Rondelez comédienne, auteure, metteure en scène, aujourd’hui, elle ajoute une corde à son arc : la magie ! Tous ses talents sont conjugués dans un délicieux spectacle intitulé Cabaret Liberté.

Avec la complicité de Vadim Sher au piano, et en connivence avec Cécile Espérin, Sylvain Katan, Pierre Val, Charlotte Rondelez fait revivre quelques anarchistes au grand coeur et aux idées larges: Boris Vian, Jacques Higelin, Octave Mirbeau, Jacques Prévert, Georges Brassens, Voltaire, André Breton, Raymond Devos, Jacques Brel, Kurt Weill, et nous fait découvrir Leonid Derbenev, Henri Roorda, Maurice Carême, Vladimir Vissotsky.

Elle revisite le numéro de « la femme coupée en morceaux », transforme de petits bouts de papier en feuille au format A3, aspire des idées noires pour les rendre blanches, et nous sort d’un état mélancolique exécrable.

Regard moqueur mais toujours bienveillant, Cabaret Liberté serpente entre les utopies et les protestations, sur les chemins de l’évasion, et peut-être,
de la liberté retrouvée.

Cabaret Liberté de Charlotte Rondelez

Jusqu’au 13 juillet

Théâtre de Poche-Montparnasse

01 45 44 50 21

Mercredi, jeudi à 20 h 30