D. Dumas, théâtres

     Sombre histoire que celle de Gwynplaine ! Enfant vendu à deux ans « sur ordre de Jacques II », défiguré par les comprachicos pour servir de bouffon, ses bourreaux l’abandonnent un soir d’hiver.

Il a dix ans, il a faim, il a froid, mais sauve plus misérable que lui, un bébé dont la mère est morte de froid. Un philosophe nommé Ursus les recueille. Il est un peu médecin, « misanthrope et saltimbanque », errant de marchés en foire avec un loup nommé Homo. Il découvre que le nourrisson est une fille, qu’elle est aveugle. Il la nomme Déa. Gwynplaine « sera un masque », éternellement. Seize ans plus tard, : « idylle » ! », Gwynplaine et Déa, « le crapaud et la taupe » se sont promis l’un à l’autre. Ils sont devenus bateleurs, et à Londres, Gnymplaine, « l’homme qui rit », distrait le peuple et désennuie les nobles. 

      Mais « ce qui est fait contre un enfant est un crime ». La justice de Dieu a frappé les comprachicos en faisant sombrer leur navire. Ils avaient avoué leur forfait dans une confession ultime livrée à la mer dans une bouteille. La justice des hommes est plus lente. Elle ne pourra pas rendre à Gwynplaine un visage, elle lui rend ses titres : il est Lord Clancharlie. Pas pour longtemps. Il ne veut pas« hurler avec les hommes » et se plier à la veulerie de ses pairs. Il fuit la perverse Josiane et les sombres machinations de la cour. Homo le ramène à Ursus et Déa. Mais trop tard… 

     Du roman tragique de Victor Hugo, Vincent Gracieux a fait une pièce pour le Footsbarn. Il en a gardé l’essentiel, avec une fidélité profonde. Il y joue Ursus, et puisque ce personnage est « remarquable dans le soliloque », on ne s’étonne pas qu’il soit aussi le conteur brechtien de L’Homme qui rit présenté par la troupe du Footsbarn. Ses saltimbanques sont à l’aise dans cette histoire de bateleurs.

Pour Homo, dont Hugo nous dit : « Le loup ne mordait jamais, l'homme quelquefois », on ne s’étonne pas que le comédien qui l’incarne, puisse parler et livrer ses réflexions : "Respect au loup ! ". Paddy Hayter met en scène, et autour de lui, les comédiens, Joe Cunningham, Agnès Guerry (comédienne et musicienne), Muriel Piquart, (comédienne et musicienne), Mas Soegeng, Akemi Yamauchi, (comédienne et acrobate), s’affairent pour donner vie à plus de trente personnages. Les masques, effrayants ou grotesques de Fredericka Hayter,, les costumes de Hanna Sjödin, (couturière Isadora Steyaert) permettent les changements de rôles.

     Quant aux changements de lieu, ils s’opèrent tout naturellement dans cet espace imité du théâtre du Globe, avec un arrière-plan d’où tombent les cordages du navire, où s’installe un drap-écran derrière lequel les marionnettes jouent en ombres chinoises, ou sur lequel le dessin hugolien du gibet dresse son pendu (projections de Sophie Lascelles).

Devant, se dresse une scène d’intérieur, où apparaît la reine, où Josiane se baigne nue (ou presque), Puis, en avant-scène, un plateau entouré de trois côtés par les rangs de spectateurs. Peu d’accessoires, trois chandeliers y éclairent une rangée de lords en perruques blanches,vêtus de velours rouge. On y plante aussi un mât qui s’effondre pour figurer le naufrage, on y transporte des ballots, une bouteille, rien de superflu. Tout s’opère à vue et la fluidité du spectacle est assurée par le jeu des rideaux, la musique de Kasia Klebba et Maurice Hortuis, les créations lumières de Michaël Popov Serejnikof, Bruno Hocquard, création sonore.

     Nous ne chipoterons pas le metteur en scène sur un crucifix ostentatoire peu hugolien, ni sur la diction difficile de certains interprètes. On oublie l’élocution difficile de Akemi Yamauchi, pour garder en mémoire l’image de cette liane souple qui descend des cintres vers Gwynplaine qu’elle éclaire de sa blancheur virginale.

La troupe est internationale et les accents étrangers sont une des gageures du Footsbarn. Le théâtre épique est là, avec ses simplifications et ses outrances, respectant le grossissement des luttes, focalisant l’opprobre sur les grands avides de Pouvoir, dénonçant les crimes fratricides de la succession aux trônes d’Angleterre ou d’ailleurs : « A quoi bon les rois ? » dit Gwynplaine, qui ajoute: « Je représente l'humanité telle que ses maîtres l'ont faite. L'homme est un mutilé. Ce qu'on m'a fait, on l'a fait au genre humain. On lui a déformé le droit, la justice, la vérité, la raison, l'intelligence, comme à moi les yeux, les narines et les oreilles; comme à moi, on lui a mis au coeur un cloaque de colère et de douleur, et sur la face un masque de contentement. »

Sous le chapiteau, il n’y a plus une place libre, on comprend pourquoi.

 

 

 

 

 

 

L’Homme qui rit d’après Victor Hugo

Adaptation de Vincent Gracieux

Tournée :en France et en Angleterre

www.footsbarn.com

On parle beaucoup des « racines chrétiennes de la France ». Mais ses racines païennes, enfouies sous des couches de récupération catholique, y avez-vous songé ?

Je m’étonne qu’aucun Breton, aucun Poitevin, aucun Normand, aucun Savoyard, aucun Provençal n’ait réagi. Le géant Gargantua et la fée Mélusine s’en sont-ils offensés ? Les aurait-on oubliés ?

« Le peuple de ce pays continuera-t-il à s’ignorer ? » interrogeait André Malraux dans les années 60 du siècle dernier.

Pourtant, si les Hilaire, Clément, Saturnin, Georges, Véran, Marcel devinrent des saints, c’est bien qu’ils eurent des dragons à combattre, non ? Nous ne parlerons pas des vouivres et des serpents, des pierres qui virent, des mégalithes dressés en l’honneur d’Apollon-Belenos. Et nous ne chercherons aucun rapprochement entre les fêtes celtiques du solstice d’hiver et celles, chrétiennes de Noël, entre les Saturnales et Carnaval, entre celles du solstice d’été et la saint Jean. Mais disons-le très haut, avec Henri Dontenville : « Partout, la religion du Christ s’est heurtée à la résistance tenace des cultes abolis ».

La Terre-Mère, la déesse lunaire, le dieu solaire, les fées, les géants, les ogres, les sirènes, monstres protecteurs ou dévorateurs, la littérature s’en souvient, les lieux-dits en témoignent, les fontaines les chantent, et jusque dans les chapiteaux des églises, les artisans païens en ont laissé la trace.

Méfions-nous des gens sans mémoire, leur avenir risque d’être sombre. Avant que le ciel ne nous tombe sur la tête, par Toutatis, souvenons-nous de ces religions primitives. Elle sont celles de la tribu*. Elles ont nourri les autres…

 

 

Toutatis signifie « celui de la tribu »

     L’École des femmes se joue à guichets fermés. Plus un strapontin libre. Et quand Arnolphe questionne : « Agnès quelle nouvelle ? » Des classes entières soufflent : « Le petit chat est mort. »

     Mais Lyn Thibault ne se laisse pas influencer. Vêtue aux couleurs de la Vierge , robe bleue et tablier blanc, elle prend son temps, lisse ses boucles brunes dans un geste enfantin, suce ses mots d’une petite voix acidulée. Face à sa « tendresse ingénue », Arnolphe (Daniel Auteuil), haut de chausses et pourpoint couleur puce, se rapetisse. Les premières scènes nous l’avaient montré borné, son égoïsme éclate : « Chacun est pour soi. »

     On comprend bien qu’entre ce barbon et le jeune Horace (Stéphane Varuppene) vêtu de velours vermillon, rubans orangés en cascade, « y a pas photo », comme disent nos d’jeun’.

     La mise en scène de Jean-Pierre Vincent ne déçoit pas. Servi par de solide comédiens, Jean-Jacques Blanc (Oronte), Bernard Bloch (Chrysalde),michèle Godet (Georgette), Pierre Gondard (Le Notaire, Enrique), Charlie Nelson (Alain), le génie comique de Molière fait mouche. Sa « mâle gaieté » parle toujours aussi juste. L’École des femmes, joue éternellement la cause des femmes.

     Jean-Paul Chambas a planté la maison d’Arnolphe sur la tournette de la scène, résolvant avec art le problème de l’unité de lieu. Peut-être n’est-il pas nécessaire alors de baisser le rideau entre chaque acte. On ne change plus les chandelles, que je sache !

 

 

 

L’École des femmes de Molière

Théâtre de l’Odéon

Jusqu’au 24 mars

01 44 85 40 40