D. Dumas, théâtres

      Marie Stuart était l’enfant légitime de Jacques V roi d’Écosse et de Marie de Lorraine. Elle n’avait que sept jours quand le roi son père mourut et elle fut proclamée reine d’Écosse. Les Anglais voulaient s’emparer de l’enfant pour la marier à Edouard, fils de Henry VIII. La régente s’empressa de la fiancer à François, le fils de Henri II, roi de France, et on envoya Marie apprendre le français, les bonnes manières et la poésie dans ce royaume tandis que les Anglais et les Ecossais s’étripaient. Elle n’avait pas six ans.

    On raconte que Ronsard ne fut pas insensible à son charme. Hélas ! Quelque mauvaise fée fit mourir François II à dix-sept ans et la jeune veuve dut repartir sur ses terres sauvages où les clans s’affrontaient entre eux et contre le trône d’Angleterre ! Elle avait à peine dix-huit ans.

     Elle était restée catholique et l’Angleterre était devenue protestante, l’ Écosse était divisée sur les religions, Marie choisit la tolérance religieuse. On l’adora.

     Remariée à son cousin, Henri Darnley, elle eut le temps de mettre au monde un petit Jacques avant de redevenir veuve. Mais la mort de son prince consort ressemblait fort à un assassinat, et de scandale en scandale, Marie dut abdiquer, et elle choisit, la malheureuse, de se réfugier à la cour d’Angleterre, où sa cousine Élisabeth avait été proclamée Reine à la mort de Marie Tudor.

     Rappelons que cette dernière était fille légitime d’Henry VIII et de Catherine d’Aragon, tandis qu’Élisabeth était la fille de Henry VIII et de sa seconde épouse, Anne Boleyn à cause de laquelle, le Roi avait rompu avec le pape. Mais comme très rapidement, Henry avait fait exécuter Anne pour en épouser une autre, Élisabeth avait été déclarée « bâtarde ». Et, donc Marie Stuart pouvait prétendre au trône d’Angleterre.

     Or c’est très maladroit de réclamer le trône d’une reine quand on demande le droit d’asile ! Élisabeth tenait à sa légitimité, et Marie campait sur ses prérogatives. Pendant dix-huit ans, Élisabeth la laissa réfléchir de prison en prison.  Et comme finalement, les monarques trouvent toujours un petit complot à déjouer, Élisabeth la fit accuser de trahison, et la pauvre Marie fut décapitée. La bâtarde triomphait.

Les romantiques adoraient ces épopées où la victime est belle, et le bourreau (ici c’est une bourrelle) impitoyable. Schiller en fit un drame superbe. Fabian Chappuis qui le met en scène a retravaillé la traduction de Latouche et il en donne une version magnifique*. La langue est pure, drue, charnelle. Sa scénographie d’oratorio dépouille judicieusement le décor. Les murs sont gris, le sol de « sable » noir scintille sourdement, les costumes d’Alice Bedigis et Bertille Verlaine sont sobres et réussis. La musique de Purcell guide les séquences.

     Dans le rôle titre, Isabelle Siou est la belle et orgueilleuse Marie, frémissante dans son injuste emprisonnement. Pour l’accompagner dans sa solitude, une suivante, Anna, jouée par Stéphanie Labbé émouvante dans sa manière d’envelopper la captive de la tendresse maternelle qui lui a tant manqué. La méchante Élisabeth, c’est Marie-Céline Tuvache. Elle avait déjà, dans Le Collier de perles du gouverneur Li-Qing, montré une forte personnalité, elle sait ici, être à la fois une femme douloureuse, aigrie de solitude, et un chef autoritaire et jaloux. Retenez les noms de ces jeunes comédiennes, elles servent admirablement les grands rôles.

     Autour d’elle, deux comédiens, Pascal Ivancic et Philippe Ivancic transforment deux rôles secondaires, en un numéro clownesque shakespearien de grand style. Sébastien Rajon, Jean Tom donnent du relief à leurs personnages. On aimerait que Jean-Christophe Laurier, Benjamin Peñamaria, Aurélien Osinski, jouent un peu moins « boulevard du crime ». Ils ont de la présence, il leur manque l’expérience et un drame romantique en requiert.

     Soir après soir, ils vont enrichir leur personnage et comme ils n’auront vu dans mes propos que  des remarques de vieille ratiocineuse, mes réticences vont les stimuler !

 

        Marie Stuart  de Friedrich Schiller

·          Adaptation de Fabian Chappuis, publiée par les soins du Théâtre 13 dans la collection des « inédits du 13 », Les Cygnes, 10 €

·          Théâtre 13

·          Jusqu’au 20 avril

·          01 45 88 62 22

Vengeances 

     L’œuvre dramatique d’Hanokh Levin est immense et la mise en scène des Marchands de caoutchouc (1996) par Jacques Nichet, avait permis de la découvrir. Il existe une cinquantaine de pièces sur lesquelles les dramaturges pourront encore aiguiser leur esprit*. Nous avions vu, en décembre dernier Une laborieuse entreprise aux Athévains et nous en avions apprécié l’humour

     Aujourd’hui, on donne, au Studio de la Comédie-Française, Douce Vengeance et autres sketches, textes écrits pour le cabaret. Ces formes courtes conviennent au Studio, et les personnages leviniens, perdus dans leurs mesquineries quotidiennes exhibent sans vergogne leurs vengeances inutiles. Les êtres humains de Levin accumulent tant de maladresses qu’il est impossible de les haïr et qu’il vaut mieux en rire.

     Galin Stoev, le metteur en scène les imagine au travail, et multiplie les accessoires d’un bureau moderne. La profusion technologique de la scénographie (signée Saskia Louwaard et Katrijn Baeten) semble nuire à la fluidité de l’ensemble. On aimerait plus de rapidité, plus de légèreté dans ces tranches de vie.

     Mais ne boudons pas la tranche qu’on se paye en voyant Claude Mathieu, Loïc Corbery, Serge Bagdassarian, Adrien Gamba-Gontard, Judith Chemla, tour à tour grands benêts, frustrés timides, petites godiches, ignorants péremptoires et ratés honteux. Au cours d’un véritable marathon, ils montrent sans faiblir, dans une transe joyeuse, comment la cruauté, l’ignorance, la vulgarité, transforment la société des hommes en monde humiliant et injuste. On ne louera jamais assez le mérite des comédiens français.

     Et profitons-en pour les soutenir quand leur réputation est attaquée.

Grandes manœuvres ?

      Denis Podalydès, sociétaire de la Comédie-Française, dans une « lettre ouverte »«, vient de répondre à un article du Figaro. Il est blessé, douloureux, et on le comprend. Cependant, attaquer la Comédie-Française dans sa programmation, et donc dans celui (ou celle) qui la dirige, n’est pas nouveau. Dès la nomination de Muriel Mayette, rumeurs et critiques ont tenté d’abattre sa jeune détermination. Mais doit-on reprocher à celle qui fut nommée par le pouvoir en place, la muflerie avec laquelle Marcel Bozonnet et Jean-Pierre Jourdain furent « remerciés » ? En grossièreté, on a fait mieux depuis.

     Il y a toujours eu des spectacles réussis et des succès contestés, il y eut de tout temps, des détestations injustes. Jean-Pierre Vincent, Antoine Vitez et Jacques Lassalle, pour grande que fût leur renommée, ne firent pas l’unanimité et des cabales honteuses ne les épargnèrent pas. Un certain milieu théâtral préfère des administrateurs qui font ronronner la maison dans une quiétude béate, mais, voyez comme les gens sont méchants, même du temps d’iceux, il y eut des couacs.

     On voit souvent, à l’Opéra, de ces remous dès qu’une nouvelle mise en scène dérange les certitudes des abonnés. Ils protestent avec véhémence et conspuent le chef d’orchestre ou le metteur en scène qui prend la liberté de modifier leur point de vue sur l’œuvre.

     Il me souvient au Français, d’une mise en scène de Tartuffe où mon voisin s’indigna avec violence quand Michel Etcheverry parut, dans le rôle de l’Exempt, avec la perruque de Louis XIV. Quel scandale en effet ! De quoi monter à l’assaut ! Le fanatique Tartuffe l’avait laissé de marbre, mais la référence politique le hérissait…

    Politique ? Oui, c’était l’aspect politique de la pièce qui choquait, comme aujourd’hui dérangent les choix de la Comédie-Française. Il ne faudrait pas se tromper de cible. Peut-être devrait-on se demander ce que dissimule de manière récurrente, les critiques venimeuses contre la Culture quand on demande d’en quantifier les résultats ? Vengeances ou grandes manœuvres ?

     Depuis la nomination de Muriel Mayette, la Comédie-Française s’ouvre plus largement aux auteurs contemporains et au monde (mondialité mais pas mondialisation). Elle bouillonne d’inventions. Entre les trois salles, Richelieu, le Vieux-Colombier, le Studio, entre le répertoire et les découvertes, les hommages aux comédiens, les portraits, cartes blanches, lectures, débats, cours magistraux, jamais la Maison n’a autant créé, n’a autant bourdonné, méritant à juste titre les abeilles de son blason.

     À l’heure de la marchandisation, de la starisation, on voudrait sans doute que la Maison de Molière s’ouvre au second marché ? Que des actions de la société de comédiens soient cotées en bourse ? Mais l’essentiel de l’art dramatique n’est-il pas de donner aux hommes le goût de vivre ensemble, de se parler et de retisser l’étoffe de leurs rêves ?

     Tout n’est pas réussi ? Et alors ? Vous savez bien que seul, Dieu est parfait. Et encore, si on consulte les hommes, aucun n’est satisfait.

* Les œuvres d’Hanokh Levin sont publiées aux éditions Théâtrales 

     Douce vengeances et autres sketches d’Hanokh Levin

    Au Studio-théâtre de la Comédie-Française à 18 h 30

     01 44 58 98 58

     Nous avions déjà rendu compte de Juste la fin du monde  la pièce de Jean-Luc Lagarce (Novembre 2007). La Comédie-Française vient de l’inscrire à son répertoire. C’est une consécration, et une consécration juste, parce que cette pièce nous touche au plus profond de l'intime, non seulement ici et maintenant, mais ailleurs et dans tous les temps. Il y est question de la mort et des liens familiaux.

      Juste la fin du monde, rappelons-le, est, avant Le Pays lointain, une histoire largement autobiographique. Louis, revient dans sa famille pour lui annoncer qu’il va mourir. Mais il repartira sans rien dire. Il l'avait quittée « pour faire ce qu'il avait à faire ».  Pendant ses années d’absence, il s'est contenté d'envoyer des cartes postales, de « petits mots », des « phrases elliptiques ». On ne peut pas lui « reprocher (son) absence ». Il n'a jamais oublié « les dates essentielles de (leurs) vies ». Eux, de leur côté ont donné son prénom au fils de son frère.

     Les vivants sont tous là : la mère (Catherine Ferran), Suzanne, la petite sœur (Julie Sicard), le benjamin, Antoine (Laurent Stocker) et son épouse Catherine (Elsa Lepoivre). Ils attendent Louis (Pierre Louis Calixte) avec ferveur et anxiété. Ils se doutent bien qu'il a « une nouvelle importante » à leur dire. Mais puisqu'il dit « je vais bien », ils ne l'interrogeront pas plus avant. Pourtant, Antoine soupçonne : « j'espère qu'il ne t'arrive rien de mal », parce qu'il sait que « si tu avais mal, tu ne le dirais pas », parce « le malheur est sur ton visage ».

(photo Brigitte Enguérand ; Louis (Pierre Louis Calixte) et Antoine (Laurent Stocker).

Ils se connaissent bien, et leur pudeur, leur respect, est une preuve d'amour. Mais ils sont maladroits. Louis, voudrait croire, comme le roi de Ionesco que "le reste du monde disparaîtra avec" lui. Mais ce monde est sans fin, et il voudrait juste ne pas être trop seul.

     Michel Raskine met en scène avec une intelligence inouïe. Comment dire l'intime dans un théâtre à l'italienne ? Comment passer des souvenirs confus de chacun à la précision d'une vérité fluctuante ? Car la vie palpite dans le verbe de Jean-Luc Lagarce. Toute parole dit le frémissement de l'âme avec les balbutiements de la pensée. Chacun énonce, bute sur les mots, cherche l'expression juste, se trompe, et, dans les errements, trace des cercles ondoyants qui enveloppent les êtres de tendresse et de cruauté. Jamais un personnage n'est stable, pris dans le flux et le reflux de situations mouvantes dont il s'arrache et où il glisse de nouveau.

     Michel Raskine a donc cherché à modifier la vision du spectateur, à l'inclure dans ce mouvement perpétuel. Il y réussit en restructurant l'espace. Il neutralise les six premiers rangs d'orchestre en y dressant un tréteau central, comme une langue qui pénètre dans le public. On pense au long tréteau sur lequel Vitez avait fait jouer Faust, Britannicus, et Tombeau pour cinq cent mille soldats. Cette estrade est une voie de circulation entre l'intime du spectateur et l'exhibition de l'acteur. Le spectateur devient le confident du comédien. Il est impliqué dans l'action. Le proscénium est scène. Le décor de Stéphane Mathieu, construit un praticable à jardin où chacun trouve une chaise à son nom, comme sur un tournage de film. On a entassé à cour, des chaises houssées, une télé, un poste de radio qui voisinent avec un portrait de Kafka : c'est le domaine de Suzanne qui voudrait bien quitter la maison familiale et s'embarrasse de ses souvenirs. La scène proprement dite, masquée par le rideau de velours rouge, ne s'ouvrira qu'au départ de Louis, à sa mort annoncée.

     Du prologue sur le tréteau à l'épilogue du deuil sur la scène, le chemin parcouru inscrit sa trajectoire de la vie à la mort. Et c'est superbe. Grâce à cette architecture, l'univers lagarcien se dessine avec les oscillations des personnages, la progression de leurs sentiments, les pulsations qui les tourmentent. Les lumières de Julien Louisgrand les accompagnent : douche de lumière sur celui qui monologue, poursuite quand les dialogues deviennent disputes, que les sorties se font par la salle, pleins feux sur la salle quand « la fin » de Louis est acquise et qu'il revient pour raconter « encore ». Chaque éclairage cerne le moment qui correspond à un état d'âme. Laurent Ménard cale les intensités au son de l'harmonium  et ponctue chaque séquence d'un bruit de couperet. La réussite est flagrante.

     Pierre-Louis Calixte impose un Louis ironique et fragile. Il a la jeunesse et la la fragilité du personnage. Il sait passer du sourire narquois aux larmes contenues. Il « triche » avec élégance. Il a le maintien de celui qui se surveille et l'attention d'un fils aimant, d'un frère circonspect. Il est parfait. Laurent Stocker en « mauvais caractère », donne à son personnage irritable et jaloux la justesse du frère rongé d'inquiétude. Julie Sicard est un petit chat sauvage, nerveux, agile, impétueux et câlin, on ne peut plus imaginer Suzanne sans penser à elle. Catherine Ferran joue la mère avec une dignité douloureuse.  Elle est  l'admirable et puissant rocher qui maintient la famille, et pour laquelle chacun s'efforce de paraître meilleur. Quant à Elsa Lepoivre, qui est Catherine la bru, la femme d'Antoine, on voit tout de suite, à son allure, à son sourire, qu'elle est une pièce rapportée. Elle ne s'emporte pas comme Suzanne, et dans le moment où ils la laissent seule, elle sourit de leurs colères. Faisant diversion, elle chantonne « une chanson douce », puis se laisse aller un instant à monter la voix pour extérioriser un énervement passager. Sereine parmi les teigneux, lumineuse parmi les ténébreux, elle est impériale.

La troupe d'aujourd'hui rayonne de tous ses talents.

 

Juste la fin du monde de jean-Luc Lagarce

Comédie-Française, salle Richelieu

jusqu'au 1er juillet

0825 10 16 80