D. Dumas, théâtres

La Compagnie de Quat’sous adore l’Italie. Pour sa naissance elle avait créé Le Campiello et après L’Oiseau vert de Gozzi (2003) Henri Dalem, le metteur en scène, avait adapté Calvino, puis, cette année, après un spectacle inspiré des Mémoires de Goldoni pour la semaine italienne du xiii^e arrondissement, il présente une pièce de Goldoni inconnue en France, La Guerre. Et nous lui sommes reconnaissants de nous avoir fait découvrir ce texte, traduit par Marie-France Sidet.

Dona Florida (Clémentine Pons) sortait du couvent pour retrouver son père, Don Egidio (Laurent Labruyère) gouverneur de quelque place forte. Elle a été arrêtée par la guerre et l’armée qui assiégeait son père. Prisonnière du camp ennemi, elle tombe amoureuse de Don Faustino (Raphaël Grillo), un jeune chevalier qui  s’est « disposé à tous les dangers », sauf celui d’être épris de la fille unique de l’adversaire. Les voilà tous deux en situation cornélienne. Entre l’Honneur et l’Amour, Florida serait-elle une nouvelle Chimène,  puisque Faustino doit donner l’assaut contre la ville que défend Egidio, une nouvelle Camille puisqu’elle se fiance à l’adversaire de sa patrie ? Mais Faustino n’est pas Curiace, Don Egidio n’est pas Don Diègue et Goldoni n’est pas espagnol. Nous resterons dans la comédie, et le mariage cum manu sera béni par le pater familias.

Cependant, loin de « la guerre en dentelles », ou des pièces héroïques, dans La guerre, Goldoni préfigure Brecht. Il peint en effet dans un contraste saisissant « ceux qui voient leurs terres dévastées », leurs récoltes saccagées comme Lisetta (Paméla Ravassard),  des familles décimées, des soldats affamés qui pillent, des jeunes hommes mutilés comme Don Cirillo (Cyril Manetta)  et ceux qui font des bénéfices, comme Le commissaire (Sébastien Libessart), Orsolina (Karina Testa) qui s’enrichissent. Il montre les hommes avides de gloire Don Claudio (Renaud Garnier-Fourniguet), Don Polidoro (Jean-François Kopf), Don Fabio, Don Ferdinando. Tous un peu matamores, ils scandent « bella vita militar » en chœur, crient  « à l’assaut ! » ou « courons au danger ! » dans un asservissement consenti, puisque le général est là « pour penser », et que les subalternes n’ont « qu’à obéir ». Et les femmes ? En face de l’adorable Florida, rôdent la cupide Orsolina sans scrupules, et Aspasia (Paméla Ravassard) élevée cyniquement par un père profiteur de guerres, qui s’accommode des aventures sans lendemain, quoique… L’âge, peut-être, lui conseille de prendre un mari..

La comédie est forte, elle touche à des sujets graves, les personnages ont tous des caractères fort bien dessinés.

D’où vient alors, que les comédiens aient l’air de ne pas croire à ce qu’ils jouent ? La distanciation voulue par le metteur en scène qui nous amuse d’anachronismes bon enfant, n’implique pas la désinvolture. Au contraire ! Le manque de moyens ? Certes, interpréter plus de quinze rôles à neuf comédiens demande de l’astuce, et ils en ont, ne serait-ce que pour imaginer le décor (Céline Diez). Il leur faudrait aussi plus de sincérité.

La Guerre de Carlo Goldoni

 Du 23 novembre 2006 au 13 janvier 2007

Théâtre Mouffetard

01 43 31 11 99

Elle aurait eu cent ans cette année. Et notre République qui aime tant les commémorations a oublié de la fêter. Elle avait pourtant eu droit à des funérailles nationales, la petite noire de Louisiane qui s’engagea dans la Résistance et descendit les Champs-Elysées dans son uniforme de sous-lieutenant des troupes féminines auxiliaires de l’armée de l’air française. Jérôme Savary lui offre l’Opéra-Comique, et un hommage en forme de revue.

Il aurait pu copier la Revue Nègre de 1925, ou reprendre la série de tableaux de son jubilé de 1975 qu’elle ne joua que trois fois à Bobino, mais en amoureux du jazz et de la scène, c’est à travers un voyage de Louisiane à Paris, qu’il retrace l’itinéraire de la jeune « Vénus noire » qui révolutionna Paris et le Music-Hall.

Car elle était née en Louisiane, l’enfant des quartiers noirs misérables. Au lieu de nous raconter son histoire, Jérôme Savary nous emmène dans la Louisiane d’aujourd’hui, dévastée par l’ouragan. Au lieu de nous détailler l’histoire de Joséphine, il part de celle d’une petite perle noire qu’il a découvert là-bas, une pétulante danseuse qui a pris un nom français : Nicole Rochelle pour incarner la divine Joséphine.

Il embarque les protagonistes Tom (Allen Host), Joe (James Campbell), Jimmy (Jimmy Justice), à bord d’un canot de sauvetage fiché dans la fosse d’orchestre, tandis que sur l’écran du fond de scène défilent les images de la Nouvelle-Orléans sinistrée. Jim a perdu son chien et Joe son piano. Survient un producteur de spectacles à la recherche d’une vedette pour sa nouvelle « Revue nègre ». Michel Dussarrat bottes et ciré jaunes est un homme Protée. Il est de tous les tableaux, il danse, il chante, il mène la revue, passe d’une époque à une autre, change de sexe, de costume, en un clin d’œil. De plus, tous ces costumes chamarrés, bigarrés, pailletés, il les signe ! Ah ! Le tableau de La Petite Tonkinoise : quel éblouissement ! Dussarrat est un génie de la scène et nous lui votons dix Molières d’un coup pour tous les spectacles auxquels il donné son talent depuis trente ans, dans la bonne humeur et la simplicité.

Vous connaissez l’instinct fabuleux de Savary à dénicher des bêtes de scène. Nicole Rochelle ressemble à cette Joséphine des débuts, telle que nous la décrivaient les critiques de l’époque, petit animal sauvage, clownesse et vamp à la fois, rebelle, généreuse, sensuelle jusqu’à la provocation. Par flashes back, Savary nous fait passer de la Louisiane de 2005 au Paris de l’exposition universelle, et Nicole Rochelle descend le grand escalier sur les succès de Joséphine. Un frisson passe quand elle chante : J’ai deux amours, ou que dans un ballet sauvage, elle se trémousse en culotte de satin tricolore avec deux cocardes sur les seins. Sa voix est envoûtante, voluptueuse, moins fragile dans les aigus que son modèle, elle est superbe.

On distinguera les airs du passé, et les nouveaux, souvent signés Savary lui-même, qui paye aussi de sa personne dans le spectacle, et on applaudira une troupe homogène où les danseurs noirs se déchaînent et où des musiciens blancs transportent le public. Qu’on y chante le blues ou le gospel, qu’on y danse le ragtime ou la salsa, la scène de l’Opéra-Comique garde l'âme populaire et nourrit les mémoires.

P. S. Pour l’« histoire du mot jazz », signalons que Cavelier de la Salle, à la fin du XVII^e, qualifiait ainsi la façon de chanter des esclaves noirs : « ils ne chantent pas, ils jasent ».

Jusqu’au 14 janvier 2007

tél. 0825 000058

Disons-le d’entrée : retrouver Les Temps difficiles d’Edouard Bourdet réconcilie avec le Théâtre. Joué par la troupe de la Comédie-Française, chaque rôle est interprété avec une justesse inouïe, chaque réplique est dite avec la plus exquise des nuances, les décors de Rudy Sabounghi sont simples et beaux, les lumières parfaites, et ce que raconte la pièce est transmis tel que l’auteur l’a conçu. Cela s’appelle le respect, et chacun sait qu’il a tendance à se perdre aujourd’hui. Raison de plus pour clamer notre enthousiasme ! La pièce date de 1934 : période d’agitations sociales qui suivit la dépression économique de 1929. La crise ! Economique et politique, le franc ne vaut plus un clou, l’Allemagne n’a pas payé ses dettes de guerre, les usines ferment, les ouvriers s’agitent, et entre le noir du fascisme et le rouge du communisme, la démocratie s’affaiblit. Vous trouvez que cette époque ressemble à la nôtre ? Pure coïncidence… Vous craignez le théâtre militant ? Rassurez-vous, Bourdet est un véritable auteur dramatique. S’il nous parle de ces « temps difficiles », c’est à travers de  l’histoire d’une famille bourgeoise. Et quelle famille !

Voici l’aïeule, Madame Antonin Faure à laquelle Madeleine Marion prête sa voix et sa silhouette de souveraine régente. Mais elle  est sans pouvoir, la reine-mère. Celui qui dirige la maison c’est son fils, Jérôme pour lequel Bruno Raffaelli s’est composé l’allure d’un bourgeois de Daumier, un peu ventru, juste ce qu’il faut pour montrer qu’on est bien nourri, mise impeccable, jamais de débraillé et cravate nouée dès sept heures du matin. Il domine de sa hauteur, du timbre de sa voix, une maisonnée de femmes obéissantes, une famille où il a dompté ses frères, l’un médecin, Armand (Alain Lenglet), dont le laboratoire émarge aux bonnes œuvres de l’entreprise, l’autre Marcel, (Christian Cloarec) « bobo » avant l’heure, l’âme artiste, sans volonté, qui s’est mésallié en épousant, vingt ans auparavant, une comédienne Suzy (Catherine Sauval) et avec lequel il a rompu tout contact. Il commande aussi son fils, le pâle Maxime (Denis-Léger Milhau), qui doit assurer la descendance, et dont, la femme, Loulou (Valérie Bauchau) est enceinte. Tout irait bien si celle-ci n’avait pas déjà fait deux fausses couches. Et surtout, si les banques couvraient les échéances. Mais il n’a plus de trésorerie et les associés le lâchent. C’est dans ces moments-là qu’on a besoin de resserrer la famille ! Jérôme « pardonne » à Marcel dans un élan de générosité très calculé puisque le petit frère possède encore cinq cents actions, ce qui constitue une minorité de blocage. Mais le meilleur atout sera Anne-Marie la nièce dont il fait connaissance, jeune sportive de dix-huit ans, au corps délié, dont Flora Brunier fait une biche affectueuse et naïve. Avec elle, les jeux, les rires reviennent dans la vieille demeure, et ramènent l’oncle volage qui laissait « la pauvre Lucie » hurler dans le pavillon de chasse, et Maxime qui délaissait sa femme.

Chaises longues sur la terrasse, les femmes tricotent à l’ombre des bouleaux, servies par un vieux domestique Cyprien (Pierre Vial). On pourrait penser à La Cerisaie tant il ressemble à Firs, mais dès les premiers mots, la dureté de ton de Charlotte (Catherine Ferran) bannit toute sentimentalité. Ses échanges aigres avec sa bru : « Nous avons toutes été enceintes », la façon dont la comédienne prononce « ma mère », en disent long sur l’hostilité qu’elle réprime. Ton sec, mais lucidité aiguisée, elle suit la devise never explain, never complain. Affable avec Mélanie Laroche (Dominique Constanza), leur riche voisine, elle reconnaît que le fils Laroche, Bob (Guillaume Gallienne) est « un beau parti ». Qu’importe qu’il ait le développement mental d’un enfant de six ans dans un corps d’adulte secoué de tics, qu’il ait l’élocution hésitante, puisqu’il demande Anne-Marie en mariage. Guillaume Gallienne se livre à un numéro déchirant de débile profond, mal aimé, incurable. Il émeut profondément. Sacrifier  « Iphigénie-Anne-Marie » sur l’autel du capitalisme défaillant est un jeu pour le rusé Jérôme que son « associée » de femme seconde avec vigueur. Elle n’est pas « si gentille » que croyait la grand-mère, cette petite oie blanche qui ignore tout du sexe et de ses exigences. Et il en a, l’avorton qui réclame de remplir le devoir conjugal à longueur de nuits. De quoi devenir folle !

Elle sera sauvée par la faillite de la maison Laroche, sauvée par la liquidation des biens ! Sauvée par le cinéma où son frère (Jean-Pierre (Pio Marmaï) travaille.

Car « le travail éloigne de nous trois grands maux : l’ennui, le vice et le besoin », c’est ce qu’avait compris Voltaire, c’est ce que savait Bourdet dans cette critique et défense cette caste qui travaille et accumule les richesses que d’autres dépensent : la bourgeoisie. Les temps n’ont guère changé, et Bourdet est devenu un classique.

Vieux-Colombier

du 22 novembre au 30 décembre

 01 44 39 87 00

texte publié à l'Avant-Scène Théâtre, collection des Quatre-vents

Incroyable ! On aurait pu penser que Sigmund Freud comme tous ses confrères médecins, se pâmait à l’opéra, et quant à choisir une Reine de la nuit, préférait celle de Mozart à  Yvette Guilbert. Eh bien, non, Sigmund Freud était l'admirateur d’une chanteuse de beuglant… Il paraît qu’il voulait étudier son art comme objet psychanalytique. Où la science va-t-elle s’immiscer ?

Certes,  Yvette est la reine du lapsus : « émission » pour « érection », du jeu de mots : « des accords et désaccord », de la blague grivoise « s’allonger sur le divan », mais de là à rapprocher : « Dieu que c’est beau, la tour Eiffel » de Totem et Tabou, l’Ecole Psychanalytique risque de se voiler la face.

Et pourtant, Hélène Delavault apporte des preuves : la correspondance du Maître et de la chanteuse, les écrits des deux, les chansons qu’elle relie d’un fil (rouge, bien entendu) tiré par un pianiste amoureux. Hélène Delavault est Yvette, mais Jean-Pierre Drouet n’est pas Sigmund, il reste le complice, l’accompagnateur un peu souffre-douleur car la diva est aussi tyrannique, injuste, narcissique. Mais quel talent pour dire ces choses de la chair et de la vie qu’il faut entendre au deuxième ou dixième degré !  Ainsi, de chansons en controverses, s’élabore une petite comédie finement troussée. Jean-Claude Durand apporte dans sa mise en scène la tiédeur d’un salon bourgeois exempt de drame. Sylvette Dequest a copié la robe dans laquelle Toulouse Lautrec l’a immortalisée, et quand elle enfile ses longs gants noirs, le charme opère. 

 « Ah ! quel plaisir /Quand on vous aime comme ça », chantait Yvette Guilbert. Et quelle fête pour le spectateur quand c’est la voix d’Hélène Delavault qui interprète cette chanson.  La cantatrice glisse également du Fauré dans ce récital en forme de comédie musicale. Ce n’était pas le répertoire d’Yvette Guilbert ? Ambassadrice de la chanson française, Yvette le fut autant que l’est Hélène. Et comme le spectateur est heureux de savourer les textes coquins, des mélodies mutines et des complaintes nostalgiques ! On devrait y penser plus souvent…

Yvette et Sigmund ou Les Gants noirs de la psychanalyse d’Hélène Delavault

14 novembre- 23 décembre

Théâtre du Rond-Point

 01 44 95 98 21

Bonne nouvelle : le Vingtième théâtre reprend Torch song trilogy de Harvey Fiersten, une  « trilogie » que Christian Bordeleau avait adaptée, mise en scène et créée la saison dernière. Ce fut un succès, et fine mouche, le directeur, Pascal Martinet, garde le spectacle jusqu’au 31 décembre. Une aubaine !

L’auteur est new-yorkais et la pièce se passe là-bas, avec une échappée au Canada. Elle parle des gays et  elle aborde la question de la dignité.

Arnold (Eric Guého) est « drag queen » dans une boîte Off Broadway. Robe de satin, paillettes, perruque bouclée, talons aiguilles et faux cils, « elle » chante : « Je suis svelte ! », une chanson ironique et sans fard : « je gerbe discrètement ». Chanson réaliste et railleuse qui révèle un personnage attachant.

Arnold est en quête d’amour, le vrai, pas celui d’une backroom, il veut des lendemains qui sourient au petit déjeuner. Il a « couché avec plus de mecs qu’il n’y en a dans la Bible », mais pas un ne lui a dit « Arnold, je t’aime ». Le voilà fou de Ed (Frédéric Chevaux ou Emmanuel Barrouyer), un jeune prof qui n’ose pas afficher son homosexualité, et qui pour faire plaisir à sa famille, se laisse embarquer dans une relation durable avec Laurel (Brigitte Guedj). Arnold est malheureux. Fin de la première partie. 

 Arnold se console avec Alan (Firmin David), un jeune beau mec qui pose comme mannequin. « Ils font un beau couple » dit Laurel. Cinq mois plus tard, Ed jaloux, tente au cours d’un week-end, de désunir les deux amants. En vain.

Mais cinq ans plus tard, il divorce… Alan est mort, massacré par une bande d’homophobes. Arnold vit comme « une veuve italienne », et s’occupe de David (Thomas Maurion), que l’équivalent de la DASS a retiré aux géniteurs. C’est à ce moment-là que commence le troisième volet de la trilogie et qu’entre en scène une Mamma grandiose (Rosine Cadoret), comme les auteurs juifs ou italiens savent les peindre. Tyrannique et tendre, instinctive, têtue, colérique, mais amadouée par tout ce qui ressemble à un sentiment généreux, elle fond littéralement devant la jeunesse du fils adopté, petite grande gueule qui cherche à être aimé.

On le voit c’est une histoire d’amours. Amour de mecs, amour de mère, amour filial.  Arnold ne veut pas qu’on ait honte de lui. Il creuse la plaie jusqu’à l’os, pour retirer toute sanie de la blessure. Il interpelle ceux qui lui refusent le droit d’être ce qu’il est. Christian Bordeleau qui avait déjà dans Les Anciennes odeurs,  brossé toutes les nuances du désamour, réussit avec cette trilogie a émouvoir autant les homos que les hétéros. Il faut dire que les acteurs, tous, sont superbes, et que nous sommes affamés de tendresse. Ah! oui, qu'on nous parle d'amour, qu'on nous redise des choses tendres !

Le décor des deux premières séquences est succinct : à jardin, un miroir de loge, un tabouret, qui disparaissent quand arrivent les canapés, rouge vif, identiques dans leur forme et dans les couvertures qui les habillent. Les tableaux s’enchaînent en fondu sur la musique d’Etienne Lemoine. Au dernier acte, la cuisine-living colorée de rouges et de rose, le canapé, le buffet, les différents accessoires, les photos, tout concourt à donner l’idée d’une stabilité, d’un engagement.

Car Arnold, qui sait que « dans un couple, il y en a un qui aime plus que l’autre », a toujours été « celui-là », et à force de porter cet amour, l’a insufflé à tous. Un bel exemple !

Torch song trilogy de Harvey Fiersten

Vingtième théâtre

Du 3 novembre au 31 décembre

01 43 66 01 13  

Mr et Mrs Beaghton ne reprennent pas La Esmeralda à Londres.

« Après vous, Messieurs les Anglais » !

C’est une farce puissante sur la cupidité des humains avides de Pouvoir et les violences dont ils sont capables pour l’obtenir. Les personnages sont outrés, désignés par des surnoms grotesques, Capitaine S’en-fout-la-Mort, et Caporal Foufalou, dignes descendants d’Ubu. Ces soldats de fortune, capturent et torturent Schwänzchen (traduction que la bienséance interdit), le régisseur-gardien de l’usine, pour obtenir de Magiblanche, la blonde teutonne,  le redémarrage de la brasserie et la recette de la bière qui doit leur apporter la fortune…

Pas de décervelage, ici, pour faire céder les résistances, les soudards sodomisent les mecs et privent Magiblanche, de sexe et de gloire, alors qu'elle rêvait de passer au Moulin rouge à Paris, et dans les casinos de Las Vegas…

C’est excentrique, sensuel, brutal et toujours très drôle.

Ce n’est plus le café qui fout le camp, c’est la culture !  

 http://www.victorhugo.asso.fr

festival.hugo-egaux@la poste.net      

  Elle est bien morte, la Mamma telle que la chantait Aznavour. Celle que Dario Fo présente avec Franca Rame dans Récits de femmes et autres histoires a viré tout sacrifice de son cursus. Elle revendique, refuse de pardonner, transgresse les traditions et retourne à l’antique modèle, Médée : sorcière et criminelle.

C’est ainsi que Didier Bezace conçoit le spectacle où il réunit  La Maman Bohême et Médée avec son Prologue. Ariane Ascaride est d’abord la Maman Bohème en rupture de conjugalité, poursuivie par les carabiniers, réfugiée dans le confessionnal d’une église et dénoncée par un curé délateur. Puis elle devient Médée, qui empoisonne le mari infidèle pour se libérer de l’ordre établi.

L’art du metteur en scène rend logique la suite des événements et la scénographie de Jean Haas permet l’enchaînement des faits. L’excellente direction d’acteur de Didier Bezace conduit Ariane Ascaride du rôle comique d’une militante communiste et catholique des années 70 au mythe tragique mais dépouillé du sacré. Il habille le drame de grotesque sans trahir le texte, mais en se glissant dans les interstices d’une parole dont l’ironie apparaît dans des gestes quotidiens et réalistes qui contredisent l’apparente soumission.

Ariane Ascaride empoigne les rôles et va au combat comme une vraie militante qu’elle a toujours été. On rit de sa force et de nos faiblesses. C’est excellent…

Allez-y, « elle commence » !

La Maman Bohême suivi de Médée

Deux pièces de Dario Fo et Franca Rame

Traduction de Valeria Tasca

 Du 8 novembre au 17 décembre

Théâtre de la Commune d’Aubervilliers

01 48 33 16 16

Connaître la vérité toute nue ? Vous y parviendrez rarement. Au nom de la morale et de la religion les Hommes la revêtent trop souvent d’un voile pudibond ou d’oripeaux horribles.

Ce n’est pas tout à fait par charité chrétienne que l’écrivain Nota (Gilles David) a recueilli Ersilia (Cécile Coustillac) la suicidaire. Ce n’est pas par désespoir amoureux qu’elle a voulu mourir, enfin, un peu quand même… Mais il est difficile de dénouer le fil de la vérité dans l’écheveau des mensonges. Pirandello nous le dit depuis 1917 avec Chacun sa vérité et Les Grelots du fou jusqu’à ce Vêtir ceux qui sont nus créé en 1922. Il poursuivra cette quête tout au long d’une œuvre qui fouille les faiblesses des hommes et les plaint plus qu’il ne les juge.

Elle est bouleversante Cécile Coustillac, dans ce rôle de jeune fille séduite et que le désir de vivre a abandonnée. Elle touche « l’extrême fond », et dans son « petit ensemble bleu clair » qui lui donne l’air d’une collégienne, elle a atteint ce désespoir dont parle Kierkegaard, ce dégoût de la vie, où même l’espoir de la mort n’existe plus. Elle parle de sa vie vide, et crache son mépris à la face des hommes qui l’ont niée. A Franco (Antoine Mathieu) son séducteur qui l’a éveillée aux plaisirs de la chair et qui se dit bourrelé de remords, mais uniquement depuis que sa fiancée l’a mis à la porte. Elle oppose le même visage buté à Grotti (Sharif Andoura) le maître qui a profité « du feu » que Franco avait « allumé » en elle, et l’a avilie jusqu’à la haine, jusqu’au drame qui a causé la mort de l’enfant dont elle était la nurse. « Tous des chiens ! » qui ne comprennent pas qu’il lui est impossible de vivre.

Stéphane Braunschweig, le metteur en scène, choisit un décor emboîté dans des cloisons matelassées obscures qui feutrent les murs du meublé de Madame Onoria (Hélène Schwaller), où la jeune Emma (Anne-Laure Tondu) fait le ménage. Ainsi ces deux femmes s’inscrivent dans une société doublement close où règne une morale hypocrite qui s’offusque au nom de la bienséance, mais pleure au récit des malheurs d’Ersilia. Il décale l’action dans une époque plus proche de la nôtre puisque les costumes (Thibaut Vancraenenbrock) évoquent plus les années 70 que les années 20, et que le journaliste (Thierry Paret) tient une caméra.

On l’approuve de jouer l’atemporalité sur un texte, qui paraît avoir été écrit pour notre époque de voyeurisme et de « victimisation ». La traduction ne Ginette Herry y est sans doute pour beaucoup aussi. Ou alors, Pirandello qui s’inspirait à la fois d’un fait divers, et de la nouvelle de Luigi Capuana qui fut le narrateur et le héros de l’aventure des « Carnets d’Ada », a-t-il pressenti le rôle que la presse à sensation pouvait jouer ? Toujours est-il que dans le personnage de Nota  (celui qui a des notes ?), l’auteur commente, raille, ironise sur sa condition avec l’allusion à son roman de 1901 : L’Exclue.  Gilles David, goguenard et gourmand l’incarne avec une élégance malicieuse. Face à un Antoine Mathieu torturé, à un Sharif Andoura qui fait la bête et que le démon de midi taraude, il peut imaginer sa comédie du « mensonge démasqué », et rend le spectateur complice. La jeune Cécile Coustillac, l’air buté, oppose sa fragilité à l’orgueil de l’écrivain qui a tout deviné et à la vanité du journaliste fier de « l’émotion » que son récit a provoquée, « C’était si bien raconté dans le journal ! » dit Madame Onoria. Le contraste entre cette somnambule dévastée et la suffisance des hommes émeut le spectateur, qui, avec elle commence à réfléchir « à ce que personne ne s’avoue à soi-même ».

Vêtir ceux qui sont nus s’inscrit dans le cycle « Masques nus » de Pirandello. Et la mise en scène de Stéphane Braunschweig ne travestit aucun des thèmes…

Vêtir ceux qui sont nus de Luigi Pirandello

Théâtre de Gennevilliers

Du 7 au 24 novembre

01 41 32 26 26