D. Dumas, théâtres

Le prix Emmanuelle Marie a été créé par les EAT (écrivains associés du théâtre) pour remercier les compagnies, les associations, les structures qui accomplissent un travail de diffusion du texte de théâtre, souvent dans des conditions difficiles, voire désespérantes, quand les débats culturels du jour s'orientent plutôt vers la télévision.

Luttant contre les marées de la médiocrité et le vent du conformisme, certains utopistes continuent le combat, s'attachant à entretenir, comme le disait Vaclav Havel "le foyer spirituel de la communauté humaine."

En 2008, le prix a été attribué à l'Association Orphéon, compagnie Orphéon Théâtre intérieur, Bibliothèque de Théâtre Armand Gatti à Cuers (83).

Les auteurs de Théâtre remercient le travail acharné de la compagnie Orphéon et saluent leurs lecteurs...

Pour le théâtre et le meilleur : auteurs et lecteurs unis...

     Il aime le risque Francis Huster ! A l’heure où une partie de la France bloque son petit écran et ses neurones pour le foot, Francis entre en scène pour nous raconter le 18 juin 1815 : Waterloo !

Et c’est une victoire : les spectateurs sont au rendez-vous. C’est qu’ils le connaissent bien ! Qu’ils ont confiance en lui. Ils connaissent son amour des grands textes, des sentiments sacrés, des causes qui élèvent l’âme.

Pourquoi Hugo ? Par fidélité à Jean-Louis Barrault qui le lui avait conseillé. Pourquoi Waterloo ? Parce qu’il s’agit autant d’analyser les causes de la défaite napoléonienne que de réfléchir aux géniales intuitions de Victor Hugo imaginant depuis 1841 « les États-Unis d’Europe et la fraternité des hommes », en racontant les erreurs d’un chef de guerre qui conduisit son armée au massacre, et sa patrie à la capitulation.

Huster ne nous dira pas « morne plaine » ! Il ajuste intelligemment le livre premier de la deuxième partie (Cosette) des Misérables à des extraits des Châtiments. Prose et vers s’épaulent et se complètent. Francis Huster connaît les grands textes et sait voir dans le roman hugolien l'égal des grandes œuvres de la littérature russe. Hugo, c’est notre Tolstoï, notre Dostoïevski. Ses grandes analyses, ses combats politiques et moraux éclairent les siècles.

Pas d’autre décor qu’un piano ouvert sur une partition « symphonie de mots », et des drapeaux européens plantés en faisceaux. Le geste est sobre, la tenue modeste, la voix bien timbrée. Il faut une diction parfaite pour oser détailler la topographie de la bataille, de l'Auberge de la Belle Alliance à chaque village du plateau de Mons, peser minutieusement chaque action de chaque général, jusqu’à la déroute où « s’évanouit ce bruit qui fut la Grande Armée » et où . Napoléon devient l’« immense somnambule de ce rêve écroulé ». Quand le poète se tait, la musique de Beethoven monte et des bribes de phrases tourbillonnent : paroles de chefs d’Etats, de journalistes, de témoins de cette grande idée : l’Europe ! Pas celle des marchés, mais celle des idées. Pas celle où « le trône et l’autel fraternisent », mais celle de la liberté.

Aucun cinéaste adaptant Les Misérables n’arrête sa caméra à Waterloo. Le lecteur pressé de savoir d’où vient l’enseigne de Thénardier tourne trop vite les pages pour retrouver les héros romanesques. Francis Huster sait y voir la leçon d’Histoire, la leçon d’humanité du poète. Tous deux ont une mission : « élever un peuple », quand tant de petits chefs s’ingénient à l’abêtir.

Merci, Francis Huster.

Waterloo

De Victor Hugo, adaptation de Francis Huster.

Théâtre de la Gaîté-Montparnasse

à 19 h 30

01 43 22 16 18

 Gustave (Jacques Weber) est malheureux, sa Louise vient de rompre et le renvoie, hautaine, à ses amours vénales. Il vit seul dans sa province, comme un Alceste qui aurait fini par quitter Célimène. Et comme le personnage favori  de Jacques Weber, Cyrano, il s’attaque à tous les géants de la Bêtise.

     Il explose de fureur contre Paris, l’Académie, une « institution pourrie », les faux poètes «qui prennent « leur pot de chambre pour un océan », les hypocrites qui ont « peur du social », les bourgeois, les censeurs, la démocratie, la France « affolée d’un esprit si foncièrement médiocre » (Louis-Napoléon Bonaparte), l’empire qui « exile le poète et emprisonne son lecteur », les femmes qui « ne comprennent rien à la prostitution », les honneurs qui « déshonorent ».

   Gustave Flaubert est un ouragan à lui tout seul. Et Jacques Weber, dans son pantalon de velours noir, reprend aujourd’hui le rôle de cet écrivain qui lui rsssemble et qu’il avait déjà incarné dans Gustave et Eugène.

    "Librement inspiré de la correspondance de Flaubert", le nouveau texte d'Arnaud Bédouet donne une partenaire à Gustave. Face à une servante apeurée mais solide (Magali Rozenzweig), il est tonitruant et fragile. Ces Sacré nom de Dieu ! répondent aux coups de tonnerre qui secouent la maison, et aux vicissitudes qui l’accablent.

     Orage dans l’orage, Jacques Weber en Gustave est un parfait démiurge.

Sacré nom de Dieu ! d’Arnaud Bédouet

Théâtre de la Gaîté-Montparnasse

01 43 22 16 18

 A 21 h 30

     La nuit est épouvantablement romantique, nuages noirs, obscurité funèbre et les quatre voyageurs sans bagages qui l’affrontent ont peur de se perdre. Un danger les presse. Les révolutionnaires ont assassiné le Roi, et les aristocrates sont promis au même sort. Quand la lune voilée éclaire enfin leur chemin, Figaro (Michel Vuillermoz) et Suzanne (Florence Viala) guident le Comte Almaviva (Bruno Raffaelli) et la Comtesse Rosine (Clotilde de Bayser) vers un pays plus tranquille.

     « Quel crime ai-je bien pu commettre ? » se lamente le Comte, qui ne comprend pas la colère du peuple, pas plus que la Comtesse ne réalise ce qui arrive. « Personne n’aurait pu imaginer » la Révolution… sauf Figaro qui raisonne, analyse, prévoit tandis que les maîtres dépossédés ne savent que se lamenter. Et Suzanne ? Elle se dévoue à Madame, en véritable serva amorosa, fascinée par les belles manières, et les belles paroles de sa maîtresse, cœur fidèle et tête de midinette. Elle n’a plus la répartie vive ni l’esprit astucieux de son modèle français.

     Mais est-on encore en France ? Et au XVIII^e siècle ? Le tableau suivant présente le poste de douanes où les fugitifs ont été conduits pour « passage illégal de la frontière ». Pas de repère spatial ni temporel dans ce banal bureau grisâtre où des préposés en kaki veillent sur l’ordre public. Figaro a beau reprendre des phrases entières du fameux monologue du Mariage de Beaumarchais, le spectateur doute d’être en 1793. Le roi assassiné est-il Louis XVI, ou Alexandre II de Yougoslavie ? Au tableau suivant qui s’ouvre sur la terrasse d’un palace alpin, les costumes évoquent plutôt les années 1930. Puis cette petite ville de Grande Bisbille, la bien nommée, où Figaro a installé son salon de coiffure et son désarroi conjugal, n’est elle pas située en Bavière, à l’heure où le nazisme prône une politique nataliste et exacerbe les xénophobies ?

     Cette révolution est-elle française, bolchevique, ou fasciste ? Le Comte et la Comtesse ressemblent aux maîtres de La Cerisaie, qui, se berçant d’illusions, égarés dans leur nostalgie du passé sont incapables au présent, de prendre des décisions raisonnables. Ils sont aussi les frères des personnages de Bernstein qui s’aveuglent quand le danger est à leur porte. En quelques scènes exemplaires, est brossé le tableau navrant d’une société étriquée, nourrie de préjugés. Voyez la sage-femme plutôt sympathique (Claude Mathieu), le garde forestier bellâtre (Gilles David), la médisante Joséphine, (Christian Cloarec) et l’ambigu Professeur (Roger Mollien). Loïc Corbery douanier autoritaire au second tableau, interprète ensuite une juriste inquiétante et Pierre Louis Calixte, lui aussi douanier, sera un noctambule mélancolique. Ils sont tous parfaits. Sur le bel espace scénographique créé par Géraldine Allier, les lumières de Frank Thévenon projettent des ombres portées gigantesques en guise de signaux d’alarme. L’atmosphère est sinistre, presque terrifiante.

     Dans la mise en scène éblouissante de Jacques Lassalle, la musique de Mozart illustre les premières scènes, elle est ensuite remplacée par des valses tyroliennes, puis par le refrain de la Belle équipe (1936), et la pièce se clôt sur une chanson interprétée par Zarah Lander, l’égérie nazie des romances sentimentales. Une telle partition musicale (signée Jean-Charles Chapon) suit l’itinéraire d’Ödön von Horváth qui se définissant lui-même comme « apatride » nous promène dans le temps et l’espace. Avec Figaro divorce, il fait du premier héros romantique français, le Figaro de Beaumarchais, un Figaro sans frontières. Figaro n’a pas de patrie : il est universel comme le théâtre d’Ödön von Horváth. Au spectateur de « distancer » lui-même !

    Figaro, seul, comprend que le vieux monde vacille. Quand l’humanité prend l’eau, que le vent de l’arbitraire souffle sur tous les gouvernements, il faut sauver sa peau et protéger ceux qu’on aime. Spinoza, disait qu’il « n’y a pas de loi plus haute que d’assurer sa sécurité ». Cette leçon méritait bien que Muriel Mayette inscrive l’œuvre au répertoire de la Comédie-Française ! C'est justice pour un chef d'oeuvre d'entrer dans le premier Théâtre de France. Jacques Lassalle, inspiré, réalise ici, une de ses meilleures mises en scène.

     Là où Lopakhine a échoué, Figaro réussit. Il ne sera pas propriétaire du domaine d’Almaviva, mais son intendant et le Comte décavé, qui n’a « rien appris, rien oublié », pourra y attendre une mort paisible.

     Chez Ödön von Horváth, il n’y aura pas de Mère coupable, puisque la comtesse meurt, que Chérubin (Serge Bagdassarian) tient une boîte de nuit sortie d’un tableau de Hopper et qu’il compose des chansons d’amour pour Suzanne. Laquelle se réconcilie avec Figaro dans le château du Comte transformé en orphelinat. Le vieil Antonio, comme Firs, regrette le passé. Pédrille (Denis Podalydès) fanatique bouffi d’orgueil deviendra un vrai poivrot, et Fanchette (Judith Chemla), sans doute une matrone. « La corruption a triomphé », et l’homme nouveau tarde à venir, mais pas les beaux discours sur « la race future, vigoureuse, joyeuse, libre et bien trempée ». La pièce de Beaumarchais portait l'espoir des lendemains, celle d'Ödön von Horváth, ronge de pessimisme ironique toutes les utopies.

Mais comme la Révolution n’est pas finie, est-il permis d’espérer ?

Figaro divorce d’Ödön von Horváth

Traduction de Henri Christophe et Louis le Goeffie

Comédie-Française

0825 10 16 80

     « Yerma », c’est un prénom de femme. Le prénom d’une femme qui voudrait être mère, mais à qui son époux, Juan (Laurent Natrella) refuse la maternité. Yerma (Coraly Zahonero) questionne les autres femmes : la jeune mariée, Maria (Céline Samie), comme la Vieille Païenne (Madeleine Marion) qui a eu quatorze enfants et deux maris. Mais « on ne peut pas parler de ces choses-là ». Comment se « débrouiller » ? Les manigances de Dolores (Catherine Sauval) ne sont d’aucune aide. Juan l’enferme, l’épie et la fait surveiller par ses sœurs. Être mère devient une obsession pour Yerma. Loin d'avoir « la froide majesté de la femme stérile »*, Yerma brûle, et refuse d'être un « astre inutile »*. Sa frustration engendre  une haine hallucinatoire. Mais Juan ne veut pas d'enfant. Une seule chose l'intéresse : posséder sa femme, sa terre, sa maison, ses moutons ! Quand enfin, il le lui avoue et lui ordonne « résigne-toi »,  il signe son arrêt de mort. Yerma, refuse de faire son deuil de la maternité désirée. Après des années d’attente, d’obéissance, de pénitence et de prières, elle s’enferme définitivement dans la stérilité : « le corps sec pour toujours » en tuant son mari. « J’ai tué moi-même mon enfant », dit-elle.

     Yerma est la deuxième tragédie de Garcia Lorca. Il y dit des choses terribles sur l’ignorance des femmes, leur soumission, leurs superstitions. Il reprend le thème de la femme mal mariée qui lui est cher. Mais cette fois, il accuse le système rural, l’éducation, les mâles orgueilleux et cupides, et Dieu même. Dans une Espagne où règne une Église catholique immobile depuis l’Inquisition, il ose faire dire à la Vieille  : « Moi, Dieu  ne m’a jamais plu. Quand allez-vous vous rendre compte qu’il n’existe pas ? » Et la scène du pèlerinage auprès d’un « saint » ermite, providence des femmes stériles, devient une nuit de Walpurgis que le Méphisto de Faust eût aimé provoquer. C’est au Faust de Goethe qu’on pense aussi lors de la scène du lavoir. Les femmes en lavant leur linge y embuent les ragots qui souillent les réputations.

     Federico Garcia Lorca excelle à peindre la vie quotidienne d’un  village espagnol, avec les rapports entre les villageois, et surtout, des femmes entre elles. Éléonore Simon et Raphaèle Bouchard du Jeune Théâtre National se mêlent avec aisance aux splendides comédiennes de la Comédie-Française. Deux femmes forment un groupe, trois femmes forment un chœur. Qu’une de plus survienne et c’est une chorale. Les voix se mêlent, se soutiennent, et comme pour se prêter à leur chant, le poète passe de la prose poétique aux vers scandés, à la musique. Pour Garcia Lorca la poésie est populaire, au sens noble du terme, puisque c’est l’essence même de son peuple. Yerma, au Vieux-Colombier atteint le sublime.

     Vicente Pradal, le metteur en scène donne à Yerma une structure de concerto dont Yerma serait la soliste. Il respecte le vers lorquien en choisissant de le faire chanter en espagnol, par un couple : Paloma Pradal, (qui danse aussi) est le double de Yerma, et Rafael Pradal est coryphée du drame. Un pianiste (Rafael Pradal) les accompagne. Le rôle de Victor, le berger, est tenu par Shahrockh Moshkin Ghalam qui dansera aussi le rôle du Mâle dans la nuit  fantastique, effet d’une « gran belleza », comme le recommandait l’auteur. Tout, dans la scénographie de  Dominique Schmitt, les costumes de Renato Bianchi, les costumes d’Emmanuel Ferreira dos Reis, appartient au monde de Lorca.

     Vincente Pradal,  pas de doute, il a le duende.

* (Baudelaire)

Yerma  de Federico Garcia Lorca

Texte français de Denise Laroutis

 L’Arche éditeur

Théâtre du Vieux-Colombier

Jusqu’au 29 juin 2008

     Le roi Térée enlève Philomèle sa jeune belle-sœur, la viole, la séquestre, en la faisant passer pour morte. Procné, son épouse, se venge en assassinant Itys, leur propre enfant qu’elle offre en repas à Térée. Horrifié, Térée veut se venger, mais les dieux transforment Procné en hirondelle, Philomèle en rossignol, tandis que des serres d’épervier* poussent à Térée. Beaucoup de gens ignorent l’histoire du roi de Thrace. Mais tout le monde a entendu parler de ces adolescentes, victimes sexuelles, soumises par leurs proches à des accouplements criminels. En accrochant Ovide et le chapitre VI de ses Métamorphoses aux monstres de l’actualité de notre siècle, Philippe Minyana montre la prégnance des « mythologies ».

     Philippe Minyana réussit l’audacieux transfert. Il remplace les noms des personnages par des notions qualificatives : Térée est « le jeune Roi », son épouse est simplement « la reine », et la jeune sœur devient « la petite », ou mieux, « la gamine ». Et Marcial Di Fonzo Bo, le metteur en scène gomme tout réalisme, en faisant incarner les deux sœurs par la même personne, Catherine Hiegel. De même, Benjamin Jungers est successivement le père, bourreau monstrueux puis le fils, victime expiatoire. Raoul Fernandez joue « une compagne de la reine », suivante sans âge, sans sexe, témoin du chagrin, complice de la vengeance.

     « La petite belle-sœur » s’avance en robe brodée de coton blanc, dans la pénombre du plateau nu. « Le jeune roi », décrit autour d’elle des cercles concupiscents. L’enfant s’affole, mais, ainsi que le dit Ovide « tout est aiguillon », « tout excite son délire ». « Ni les prières, ni les larmes »  n’arrêteront les violentes pulsions de l’adulte. Pas de liquide organique giclant, « y’a du sang », dit « la gamine », mais c’est juste une tache indélébile sur la chemise d’innocence.

     Pour figurer la bergerie, une demi cloison de planches, côté cour. Pour représenter le palais, une chaise tapissée de velours à jardin. La scénographie d’Anne Leray est conçue avec peu de décors, mais des accessoires et des costumes signifiants. Quand la Reine vêtue de satin damassé rouge apprend la mort de « la petite », elle quitte la pourpre pour les voiles noirs. Quand elle a déchiffré la toile où la petite a « tissé le récit » de l’horreur, elle décide de profiter des fêtes de Bacchus, pour aller délivrer la prisonnière. Elle abandonne sa robe de deuil pour ceindre la cotte de maille et « l’habit des Bacchantes ». Quelques armures vides évoquent « ses compagnes ». « Haine ! ne faiblis pas ! », commande-t-elle, puis, plus tard, se retournant en chemise de lin, la même voix geint « Mon calvaire m’a rendue folle ! », et, en latin elle en fait le récit. L’art de Catherine Hiegel crée la formidable illusion que grande sœur ou petite sœur, leur ennemi est le même. Le fils est jeune, beau, fragile, mais impétueux, il ressemble à son père. Le même Benjamin Jungers incarne donc l’angelot ébloui et le démon sournois. C’est par l’enfant qu’il faut « atteindre » le père. « Je t’ai donné la vie, je vais te la reprendre », dit la reine qui ajoute cette terrible confidence : « on n’imagine pas ce que c’est que de tuer son enfant ».

     Étrange voix du sang ! Le châtiment s’abat sur l’homme hypocrite, et les femmes, qui n’ont plus rien d’humain, se « métamorphosent » et « s'envolent ».

Théâtre 2 Gennevilliers

Jusqu’au 15 juin

01 41 32 26 26

     « Je t’aimerai toujours » avait dit Frank (Didier Sandre) à Romy (Afra Waldhör). Il avait dix-neuf ans, elle dix-sept. Vingt-huit ans plus tard, Romy se présente pour qu’il « honore sa promesse ».

     Qu’ils se soient perdus de vue depuis tout ce temps, qu’il ait, depuis vingt ans, épousé Claudia (Luce Mouchel), qu’il en ait eu un fils, Andi (Sébastien Accart), qu’il ne la reconnaisse pas, peu lui importe ! Obstinée, la solliciteuse n’en démord pas, Franck est à elle, à elle seule : « Tu n’aimes que moi », répète-t-elle. Et, comme une nouvelle Médée, elle s’applique à tout détruire autour de lui, assassinant le fils d’abord, l’épouse ensuite, et le laissant, tel Jason, anéanti de désespoir.

     La Femme d'avant de Roland Schimmelpfenning réinvente le mythe de la femme qui se venge d'un homme, celui qui trahit ses serments. L’action avance, inexorable, au rythme d’un temps décalé. Comme dans le tango, il y a des arrêts sur place, des reculs, des passes, des enlacements brutaux et stériles qui excitent les sens et dévastent l’esprit. Claudia Stavisky met en scène cette danse de mort avec une intelligence inouïe. Elle place ses personnages dans une sorte de vestibule cerné de portes et dont les cloisons se déplacent suivant les temporalités : « plus tôt », « plus tard », « dix minutes », « deux jours », « vingt-cinq minutes », réduisant ou agrandissant un espace tant réel que psychique. Le décor de Christian Fenouillat, éclairé par Franck Thévenon suit les protagonistes dans les couloirs de leurs craintes et de leurs fantasmes. La bande son de Bernard Valléry résonne des peurs inavouées. Pas de meubles, mais on empile les cartons d’un déménagement annoncé, lequel relie l’histoire de Frank et Romy, à celle qu’Andi, le fils, vit avec Tina (Agathe Molière), la jeune voisine, « qu’il aimera toujours », mais qu’il ne « reverra jamais ».

     Le crime ne se construit jamais linéairement. Il erre ici dans un labyrinthe dont les issues se bloquent successivement pour aboutir à l’impasse fatale. La passion devient meurtre. Sont prises alors au piège, les victimes sacrificielles, pas tout à fait innocentes. En effet, l’un (Andi) est coupable d’abandon et il a aussi failli tuer Romy.

     Sans préméditation, et sans intention, c’est vrai, mais lance-t-on un caillou sans qu’il devienne « une arme par destination » ? Quant à Claudia, la Créüse moderne, n’a-t-elle pas « joué avec le feu », en exigeant le renvoi immédiat de Romy.

       Didier Sandre porte la tragédie avec la puissance d’un jeu infaillible. Homme surpris, vaguement amusé de l’intrusion de cette femme mûre qui évoque sa jeunesse, et dont il ne se souvient visiblement pas, il se métamorphose en mâle agacé, inquiet, prêt à toutes les lâchetés, toutes les ruses aussi, pour sauvegarder son confort. C’est un comédien exceptionnel qui joue tour à tour le cynique, le don juan, l’amoureux ébloui, rajeuni, avant d’être saisi lentement par l’angoisse, de la rendre palpable aux spectateurs, et de les plonger, avec lui, dans l’horreur de la mort. Oh! la terrible vision que celle du père, nu comme un Christ, berçant le corps inerte de son fils dans une pietà virile et hallucinée ! Sébastien Accart interprète avec justesse, un adolescent sensuel, sensible qui se défend d’être sentimental. Face à lui, Agathe Molière troublée et lumineuse, apporte un peu d’innocence dans le jeu trouble des adultes. Afra Waldhör est parfaite en « ange de la mort », elle joue avec sobriété la blonde qui glace d’effroi, tandis que sa rivale, son double, Luce Mouchel nerveuse, tyrannique, s’impose. D'un texte d'une grande force et de comédiens aussi doués, naît une grande tragédie.

Certains soirs, on sort bouleversés du théâtre.

La Femme d’avant de Roland Schimmelpfenning

L'Arche éditeur, 9 €.

Théâtre de l’Athénée-Louis Jouvet

Jusqu’au 7 juin

01 53 05 19 19

     Drôle de palais pour le duc d’Alveiro ! Le décor d’Eric den Hertog, dans la mise en scène de Gwenhaël de Gouvello référencerait plutôt L’Atelier de Grumberg, et, avec ses ouvriers en blouse bleue, quelque pièce réaliste d’un néo-brechtien. Mais, attention ! on confectionne ici des costumes de théâtre, et le contremaître tient le texte du Timide au palais dans sa poche.

     Robert Angebaud, l’adaptateur, qui complique ainsi l’action déjà très embrouillée de la pièce, en profite pour transformer le petit chef (Jean Benoît Terral) en « Prologue » à la manière latine. Et, tous les ouvriers, pendant les deux heures de la pause déjeuner vont nous jouer la comédie. Tirso de Molina à l’usine, en voilà un au moins qui n’abîme pas les hommes…ça va faire plaisir à Olivier Besancenot, qui doute quelquefois des démocrates qui nous gouvernent ! Quant aux spectateurs, le parti d'en rire obtient toujours leurs suffrages.

     Le duc (Jean-Michel Canonne) est veuf et préoccupé par le mariage de ses deux filles. Heureusement Juana (Brigitte Damiens) le seconde dans toutes ses affaires et sert de duègne à Magdalena (Marie Grach) et Seraphina (Marie Provence). La première est docile, mais ne semble pas du tout intéressée par le prétendant qu’on lui propose, la seconde serait plutôt du genre rebelle. « Mégère apprivoisée », penserez-vous ? Pas tout à fait. Voyez plutôt, et pour toutes deux, du côté de la pétulante « savetière  prodigieuse », elles sont de la même race. Elles savent ce dont elles ne veulent pas, et la volonté leur dérouille la langue.

     Pour corser l’affaire, le secrétaire particulier du duc, Don Ruy Lorenzo (encore Jean Benoît Terral) est obligé de s’enfuir parce qu’il voulait venger sa sœur séduite et abandonnée par le comte d’Estremoz (Eric Wolfer) qui prétend épouser Séraphina. Rajoutez là-dessus, le timide, Mireno (Gregori Baquet), qui n’est pas le paysan qu’on croit, qui échange ses vêtements avec le fugitif et se fait ramener au palais du duc sous bonne escorte avec son compère Tarso (François Kergoulay). Ah ! n'oublions pas Antonio (Stephen Szekely), neveu de Juana qui tombe amoureux fou de Seraphina, tandis que Magdalena, charmée par Mireno, brave tous les interdits. Pour tout ce monde-là, Rainer Sievert joue deux serviteurs, et Jean Benoît Terral, tour à tour alcade, crieur, peintre, endosse tous les rôles épisodiques - ce jeune homme a tous les dons.

     Secondés par deux musiciens compositeurs et interprètes, Damien Joëts et Cristian Huet, les autres comédiens montrent aussi beaucoup d’énergie et de talent. Ils nous font croire pendant deux heures aux changements de décors, aux ambiances nocturnes, aux querelles d’amoureux, aux tergiversations d’un père, à la complicité passive de Juana, aux roueries des hommes et des jeunes filles, enfin à tout ce qui remue l’âme humaine au point de métamorphoser les uns ou conduire les autres vers le devoir. Car enfin, il y va de l’honneur d’une maison, et vous ne vous figurez pas qu’on va laisser le beau linge se salir !

     La directrice du Théâtre 13, qui veille à la réputation de ses programmes n’y consentirait pas. Avec Le Timide au palais, elle donne encore à une jeune équipe toutes les chances de se faire connaître…

Le Timide au palais de Tirso de Molina,

adaptation de Robert Angebaud

Au Théâtre 13 jusqu’au 1^er juin

01 45 88 62 22

 Avec sa réputation de rêveur, Jean-Louis Bauer en surprendra plus d’un par sa nouvelle pièce. Une vie de château est une comédie musicale insolente et hilarante.

Jugez de la fable. Un Président (de la République) hyperactif, narcissique, cynique, et mal embouché, traque son épouse versatile et frivole, tandis que le Premier ministre, cerné par les manifs, est dépassé par les changements continuels d’emploi du temps. Survient alors un animateur de radio aux dents longues. Que voulez-vous qu’il advienne ?

Sur un rythme infernal, le Président fonce dans le mur. Sa femme virevolte, ses thuriféraires valsent, et son Premier ministre n’arrive pas à démissionner.

Les ambitions des uns font le malheur des autres, mais le bonheur des lecteurs, en attendant que les spectateurs hurlent de rire. Profitez de cette folle journée au « château », entre la Dame de chez Maxim’  de Feydeau et Les Prétendants de Lagarce.

Une vie de château, de Jean-Louis Bauer, Fayard, 12 €

     Cyrano n’était pas du tout celui que l’on pensait. Sa passion platonique pour sa cousine Roxane ? Une invention toute pure ! L’auteur loue « les jeunes garçons » qui, pour l’endormir, lui chatouillaient les cuisses « avec minoteries et délicatesse ». Sa mort au crépuscule dans les jardins d’un couvent parisien ? Une métaphore romantique. Cyrano mourut à trente-six ans chez un cousin à la campagne. Cependant, Rostand ne ment pas, il édulcore. Cyrano avait bien été assommé dans une rue parisienne sans qu’on sût si c’était un accident ou une attentat. Il avait aussi imaginé ces voyages dans la lune dont il entretient de Guiche pendant que, chez Rostand, Christian épouse Roxane. Seulement, dans la réalité, ces voyages étaient moins une fiction scientifique que le moyen de critiquer « l’orgueil insupportable des humains » et d’attaquer « les prêtres (qui) brident si bien la conscience des peuples. »

     Cyrano était un libertin subversif, fin connaisseur de Giordano Bruno, Copernic, Galilée et  « hérétiques », et autres apostats condamnés par l’Eglise romaine. Savinien de Cyrano de Bergerac entretient le rêve d’un « pays où l’imagination est en liberté ». Autant vous le dire tout de suite, ses écrits furent censurés, passant sous le manteau dans un cercle d’amis, on les publia bien après sa mort.

      Benjamin Lazar les réunit à la scène pour jouer lui-même un spectacle qui se veut délicieusement archaïque. Une rampe de vraies chandelles éclaire le jeune Cyrano qui entre avec une lampe sourde à la main. À jardin, deux musiciens, Florence Bolton (dessus et basse de viole), et Benjamin Perrot (Théorbe, guitare et luth) : Instruments baroques bien entendu, accrochés à un portant. Ils vont accompagner le récit de Cyrano, le ponctuer, en souligner les épisodes en interprétant des « sarabandes », « musette », « prélude », « allemande », « bourrée » et autres, tous morceaux du xvii^esiècle.

     Benjamin Lazar raconte ses voyages. Il parle en accentuant « roi » en « roué », et en prononçant toutes les lettres, même les muettes, "les fumées", se dit les "fuméeeesss", comme le veut son maître Eugène Green. Le procédé peut paraître amusant, il devient vite artificiel et ralentit l'action. Dommage, car la mise en scène est soignée, subtile avec son jeu de lumières.  Une telle profération met trop de distance dans la précieuse et insolente parole de Cyrano qui, par l’absurde, s’en prend aux rois, aux prêtres, à toutes les religions : si un chrétien « mange un mahométan », l’enfant à naître sera-t-il « un beau petit chrétien » ? Très actuelle aussi est la dénonciation de toute autorité, y compris celle des parents : - « Je voudrai bien savoir si les parents songeaient à vous quand ils vous firent ! » . Le droit de ne pas naître, vous connaissiez ? Et le droit, pour les fils de désobéir à la loi, puisque ceux qui les ont faites « étaient des vieillards ».

     C'est donc un spectacle iconoclaste à conseiller aux commémorateurs et héritiers de mai 68... On pourrait affirmer que Cyrano les a inspirés.

Photos de Nathaniel Baruch

L’Autre monde ou Les États de la Lune d’après Savinien de Cyrano de Bergerac

Adaptation et mise en scène de Benjamin Lazar

Théâtre de l’Athénée-Louis Jouvet

Jusqu’au 26 avril

01 53 05 19 19